Temporada 2017 – Boku no Hero Academia Season 2

Temporada 2017 – Boku no Hero Academia Season 2

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

La tan esperada segunda temporada de la serie de superhéroes de la Jump y otro gran ejemplo de que las adaptaciones cortas para series de larga duración son una muy buena opción para mantener la calidad y el ritmo de una historia a niveles muy altos. A pesar de la espera de un año, Boku no Hero Academia, de la mano del estudio Bones, viene a demostrar que las segundas temporadas pueden ser superiores y que los poderes, los retos, la espectacularidad y las emociones pueden sobrepasar las expectativas. ¡Plus Ultra!

Boku no Hero Academia es una de los exponentes “recientes” de la Shonen Jump, que ha tenido que enfrentarse a uno de los retos más grandes que se le puede presentar a cualquier serie: llenar el espacio de popularidad ocupado previamente por series como Bleach y Naruto (este último principalmente en la revista antes que en el anime). Y ha sabido enfrentar el desafío con cualidades bastante interesantes. BnH combina la ambientación de los comics americanos con las personalidades e historias recurrentes en las series japonesas, con una trama bastante directa, con dotes de exageración y espectacularidad, que permiten que cualquiera pueda disfrutar y engancharse a la serie rápidamente.

Si bien considero que adaptar series de larga duración en temporadas es una mejor opción que el ritmo constante, es una opción que puede presentar el riesgo de perder la popularidad que una serie consigue en su primera temporada. En este caso, el lapso de un año no parece haber representado problemas, y para recuperar el paso de la historia, el primer capítulo de esta nueva temporada es una recopilación rápida de la temporada 1.

Y entrando de lleno a la segunda temporada, que tendrá un total de 25 episodios, empezamos con el arco del festival deportivo, en el que los prospectos de héroes buscan demostrar el mejor nivel de sus habilidades y capacidades en diferentes competiciones, para mostrarse al mundo y ser reconocidos por los héroes profesionales. Para nuestro protagonista, Izuku (o Deku) será la oportunidad perfecta para demostrar que es el digno sucesor de All Might, pero para ello deberá sobreponerse a la presión sobrepasar a sus principales competidores, Bakugou (rival de la infancia) y Todoroki (hijo de Enji Todoroki (más conocido como Endeavor) y uno de los llamados a superar a All Might.

Puede que pasar a un arco de competencia no tenga el mismo peso argumental o emocional que se presentaron durante la invasión de la Liga de Villanos, pero le permite a la serie presentar nuevos personajes (como las otras clases), así como profundizar en los secundarios y en los efectos producidos en los ciudadanos regulares por los últimos sucesos ocurridos, y que atentan contra la seguridad a la que solían estar acostumbrados por la presencia constante de All Might.

Lo interesante del festival, es que consisten no solo en enfrentamientos, sino en diferentes competencias que permitirán demostrar el uso creativo de los poderes y la habilidad de cooperar con nuevos compañeros; comenzando por la carrera de obstáculos (que trae algunos elementos de los exámenes de ingreso), y pasando por la batalla de caballería.

Y como he resaltado a lo largo de esta entrada, lo que más se puede resaltar de Boku no Hero Academia son las expresiones y sensación de espectacularidad que desborda, y que Bones ha sabido cumplir con creces hasta ahora. Una animación bastante fluida que acompaña en las escenas caóticas y de acción, con efectos bastante espectaculares a lo largo de las competencias, resaltando los poderes de cada personaje al máximo, y con un ritmo que permite disfrutar de cada escena sin que se sienta que los eventos se han alargado innecesariamente (un mal que suelen padecer series de ritmo semanal y que se acercan a la última publicación del manga que adaptan). Por otra parte, si bien el Opening y el ending de esta temporada no han sido lo que esperaba, el soundtrack está siendo un complemento perfecto para la animación, con Yuki Hayashi nuevamente como compositor (y quien participó anteriormente en Haikyuu).

Habiendo sobrepasado la tercera parte de esta temporada, queda disfrutar del final del torneo y del festival, quedando pendiente la batalla entre Todoroki e Izuku para definir a otro de los semifinalistas del torneo. ¿Podrá la fuerza Herculeana de Izuku sobreponerse al frío absoluto de Todoroki? ¿Logrará Izuku cumplir con las expectativas de All Might? ¿Qué depara el destino para nuestros aspirantes a héroes luego del festival? Nos quedan 15 episodios por delante y probablemente un arco adicional muy interesante para disfrutar. ¡¡¡Plus Ultra!!!

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Koe no Katachi: Una voz silenciosa

Koe no Katachi: Una voz silenciosa

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Muchos problemas en las relaciones (familia, amistades, compañeros) se dan por que las personas no suelen darse a entender o no son comprendidas de la forma en que uno quisiera. Inconformidades, asperezas e incluso odio pueden ser el resultado de un malentendido, de una palabra dicha en el momento incorrecto o de callar lo que realmente se siente. Cobra aún más relevancia entre los niños ya que cuando suelen expresarse, lo hacen con pocas restricciones o consideraciones respecto a lo que dicen. En este contexto, Shoko Nishimiya busca integrarse a una nueva escuela y ser aceptada por sus compañeros, pero deberá enfrentarse a la brecha que ha creado la pérdida de su capacidad auditiva. ¿Estarán sus compañeros dispuestos a entenderla y apoyarla? ¿Tendrá Shoko la fuerza y tenacidad para también entender a sus compañeros? Solo a través de un camino de experiencias es que uno empieza a comprender el verdadero poder de nuestras voces y lo importante que es no solo hacerse entender, sino también comprender a quien se comunica con nosotros.

Datos de la serie

  • Título: Una voz silenciosa (聲の形)
  • Géneros: Drama, Slice of Life
  • Categoría: PG – 13
  • Duración: 2 horas y 10 minutos
  • Estudio: Kyoto Animation

Manga

  • Autor: Yoshitoki Oima
  • Episodios: 62 (Agosto 2013 – Noviembre 2014)

Opinión

Por lo general, son muy pocas las series que identifico como buenas adaptaciones, no por el hecho de que se recorten partes (personajes, sucesos, etc.) del manga, sino porque no llegan a transmitir las mismas sensaciones que la obra de origen, lo cual me daba cierta desconfianza cuando se anunció la producción de la película a cargo del estudio Kyoto Animation, ya que sería el primero trabajo de Naoko Yamada que no se haya basado de un anime (como el caso previo de K-on!). Pero luego de tener la oportunidad de disfrutar la película en nuestras salas de cine, debo decir que he quedado más que complacido con el trabajo realizado para representar las sensaciones y emociones de la historia. Desde la introducción de la vida de Shoya Ishida (personaje principal de la película), cuyos actos de lucha contra la rutina se ven interrumpidos por la llegada de Nishimiya a su escuela, hasta el largo camino de redención que debe atravesar por el acoso y tormento causado a su nueva compañera, Kyoto Animation utiliza de la mejor manera los recursos cinematográficos para no solo hacernos entender, sino sentir las consecuencias que traen los eventos transcurridos en la escuela, en la vida de Shoya y en la de sus demás compañeros. Desde mi punto de vista, brinda una interesante perspectiva para determinar quiénes son participes o involucrados en un acto de bullying en la escuela, el cual es todavía un problema que no se trata con la relevancia que corresponde.

Uno de los puntos más interesantes de la película (que no es tan marcada en el manga) es que centra más la historia desde la perspectiva del acosador por sobre la víctima; una apuesta tan bien llevada que solo en retrospectiva uno cae en cuenta de lo que permite aportar a la historia, desde las metáforas visuales y los gestos de los personajes, hasta las tomas que acompañan cada escena. Si bien Koe no Katachi abarca el problema del bullying, busca hacerlo desde un tono más realista y no excesivamente dramático, complementando los momentos lúgubres y tristes, con situaciones más relajadas y alegres (desde la perspectiva del resto de los niños de la escuela), y otras de contemplación o cuestionamiento.

La cinta puede lograr este balance en parte a que no se centra en el tema del acoso, sino que lo usa como medio para abordar las voces silenciosas que quedan como consecuencia; las experiencias de quienes buscan sobreponerse, de quienes buscan olvidar y de quienes buscan redimirse dan una sensación única a la película, y son el eje para los que la película busca transmitir las consecuencias (tanto las fácilmente visibles como las que muchas veces son ignoradas) que se derivan de este tema.

Respecto al elenco de personajes, lamentablemente sufren las consecuencias de que la adaptación se haya realizado en una película en lugar de una serie, con lo cual no hay suficiente tiempo de abordar a cada uno en profundidad. Si eres de quienes no han tenido la oportunidad de leer el manga antes de ver la película, tal vez no lo percibas como un punto en contra, ya que en realidad se han representado de forma más que aceptable las personalidades de Nagatsuka, Ueno, Sahara, Kawai, Mashima, y sobretodo Yuzuru. Sin embargo, considero que hay escenas del manga que habrían enriquecido aún más el resultado final de la película.

Además de complementar las interacciones y relaciones de Nishimiya e Ishida para representar las secuelas que ambos han adquirido por los diversos sucesos, el abordaje de los personajes en la película permite identificarse con los problemas o situaciones que cada uno de ellos atraviesa, de manera que muchas escenas generan una mayor empatía o sufrimiento, al sentir que son experiencias que realmente cualquier persona podría tener.

Pero lo que más resalta del trabajo realizado por Kyoto Animation es la producción. En el apartado artístico y visual, si bien tiene el estilo característico del estudio, se muestra una animación fluida y cuidada hasta en los más pequeños detalles. Desde el excelente manejo de la iluminación (que le da vida a los fondos) hasta el uso de determinados recursos (simbolismos, secuencias, gestos, etc.) se demuestra el esfuerzo realizado por el estudio para hacer de esta experiencia lo más natural posible. De igual forma, el apartado musical refuerza de manera brillante la narrativa, ya que más que ambientar, se vuelve un medio en sí mismo para expresar las ideas y emociones de la película. Si bien no se presentan tantas ambientaciones de impacto en las que la música o el sonido de fondo tomen el papel principal, se aprecia bastante el juego entre los silencios y la música, sobre todo por la cantidad de escenas que no buscan transmitir los sentimientos de los personajes mediante diálogos exclusivamente.

En una segunda revisión, se aprecia aún más la experiencia presente en el sonido. Desde el uso del piano en las escenas de ansiedad, la fuerza en los pasos para representar las emociones de los personajes, las melodías dulces o melancólicas para dar peso a las escenas, hasta los efectos de amortiguación o difusión en las voces para representar las dudas de los personajes. Koe no Katachi nos hace sentir el peso de cada movimiento y de cada contacto a través del sonido, dándole una gravedad aún mayor a las acciones sobre las palabras. Un esfuerzo que si bien puede pasar desapercibido, es la mejor forma de transmitir el mensaje de la película: que hay muchas formas de transmitir las intenciones y emociones, que incluso una voz silenciosa puede hacerse entender.

Conclusión

Tal vez Koe no Katachi no llegue a tener la misma repercusión que Kimi no Na wa, pero definitivamente es una película que valoro al mismo o hasta mayor nivel, en especial porque me parece una propuesta más arriesgada.  La manera en la que se nos permite conocer, de una manera muy humana, las consecuencias de un problema tan predominante como el bullying acompañada de la increíble animación y apartado visual, combinado con su fabuloso apartado sonoro, la convierten en una de las experiencias más gratas que he tenido en el cine. Espero que la buena acogida que tuvo su paso por nuestra cartelera sea un indicativo de que se seguirá apoyando este tipo de películas, y por el lado de los espectadores interesados en el anime, se continúe asistiendo a la proyección de estas para demostrar que hay interés en este tipo de apuestas. Sin importar si eres fan o no del anime, recomiendo que le des una oportunidad a la película, ya que es entretenida a muchísimos niveles; un viaje visual y sonoro muy agradable, y una trama con una buena cantidad de mensajes y reflexiones. Y si te quedas con ganas de conocer más sobre el resto de personajes, leer el manga enriquecerá la experiencia. Sin dudarlo, pienso que Koe no Katachi no dejará indiferente a nadie.

 

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Shingeki no Bahamut: Virgin Soul

Temporada 2017 – Shingeki no Bahamut: Virgin Soul

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Otra de las continuaciones de esta temporada es la segunda parte de Shingeki no Bahamut: Virgin Soul, la cual es una serie que esperaba con anticipación inicialmente, pero de la que empecé a tener dudas cuando se anunció la trama que iba a tener. Y es que Génesis, que supo adaptar la sensación de una aventura extraordinaria ambientada en el juego de cartas de Cygames, dejo un listón bastante alto de la mano de Favaro como personaje principal.

No es solo que esta nueva parte transcurra 10 años después desde que el mundo logró evitar su completa destrucción debido a la resurrección de Bahamut, sino que la dinámica de la serie y la perspectiva que se nos brinda a través de Nina, la nueva protagonista, es diferente de la que se vio en la primera parte. Los humanos, de la parte de su nuevo rey, han iniciado el conflicto con los dioses y demonios; demonios y esclavos se han convertido en la clave para la restauración de la sociedad, y los dioses han empezado a perder seguidores, por ende, sus poderes. En este nuevo amanecer en el que se ha perdido el orden de las cosas, el significado de justicia se verá distorsionado.

¿Qué es lo que ha acontecido en el mundo durante esos 10 años? Kaisar ha sido promovido a capitán de los Caballeros Orlean, Baco (o Bacchus) sigue guiando a los cazadores de recompensas, Favaro está no habido, Azazel mantiene su odio por la humanidad y Rita trabaja en la capital en oculto como una doctora que atiende a cualquier paciente sin distinciones.

Y ahora tenemos la historia de Nina Drango (la protagonista a la que podríamos definir como una bomba de tiempo, ya que en ciertas circunstancias llega a perder el control y termina transformada en un dragón incontrolable), quien ha llegado a la gran ciudad para hacerse una vida como caza recompensas. Es el cambio de protagonista lo que me generó dudas antes del estreno de la nueva temporada, y siendo sincero, también durante los primeros episodios, pero la evolución en su personaje, además de su personalidad rara y a veces ingenua, le han dado un estilo propio y llamativo a la serie, que si bien se aleja de la esencia de la primera parte, está demostrando ser de igual o hasta mejor nivel. En ese aspecto, la apuesta de los estudios MAPPA parece que será un éxito.

Se ha profundizado más en la temática de lo que conlleva la coexistencia entre las diferentes razas; el odio, la esclavitud, las rebeliones y los conflictos internos de cada personaje para determinar el verdadero significado de justicia se van desarrollando en cada episodio. La animación sigue viéndose espectacular, con una mejor integración del CGI, escenarios más detallados y buena cinematografía. Los efectos de sonido y el soundtrack siguen siendo de muy buena calidad, aunque los gustos sí pueden variar en lo que respecta al opening y al ending de la serie.

Si bien es cierto que Virgin Soul no tiene ese inicio tan impresionante y explosivo con el que sí contó Génesis, con los elementos que ya se han incluido, tiene un mayor potencial, considerando también que la serie contará con 24 capítulos.

Sin duda, uno de los animes más interesantes y más trabajados de esta temporada. Para aquellos interesados en una historia de fantasía, recomiendo que empiecen por la primera temporada para continuar con Virgin Soul. Y para los que ya vieron la primera temporada, no creo que sea necesario recomendar la serie. Después de todo esto, solo queda una pregunta muy importante, ¿dónde está Favaro?

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Sakura Quest

Temporada 2017 – Sakura Quest

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

 Si bien hay series de esta temporada que ya tienen una base de seguidores ya formada por ser adaptaciones o continuaciones (como es el caso de Shingeki no Kyojin, Boku no Hero Academia, y en menor medida, Shingeki no Bahamut), y que son a primera vista más llamativas por la cantidad de acción, dinamismo y espectacularidad que ofrecen, he intentado dar un vistazo a la mayoría de series estrenadas, buscando disfrutar de otros géneros de la animación japonesa.

Tal es el caso de Sakura Quest, la nueva producción original de los estudios P.A Works, encargado anteriormente de series como Angel Beats!, Shirobako y Uchouten Kazoku (personalmente, una de mis esperadas esta temporada), y que apuesta por enfocarse en el tema del turismo en Japón y las dificultades que se presentan, sobre todo en las áreas rurales del país.

Sakura Quest1

En Sakura Quest se nos cuenta la historia de un grupo de cinco mujeres que, por diferentes circunstancias, terminan trabajando como las “monarcas” (o embajadoras) en la oficina de turismo de un pueblo rural modesto, para tratar de reavivar el interés y la industria de la región que está quedando olvidada con el paso del tiempo. Para ello, deberán buscar diversas formas de demostrar las cualidades y características únicas de la región, que les permita sobrevivir a los constantes cambios en la industria del turismo con el paso del tiempo.

Sakura Quest2

La serie sigue un ritmo y fórmula similar al de las series Shirobako y Hanasaku Iroka (del mismo estudio), por lo que se puede esperar una serie tranquila, amena y reconfortante; a la vez que bastante buena (en lo que van los capítulos) para poder conocer y entender otros aspectos del país del sol naciente. Ya desde el primer capítulo, se puede apreciar lo bien trabajada que ha sido la adaptación de la ambientación rural japonesa, con unos fondos bastante detallados y coloridos, y la forma interesante de mostrar los diversos puntos de vista de lo que implica adaptar las costumbres a los tiempos actuales; el debate entre la pasión por lo tradicional enfrentándose al cambio e integración con lo moderno.Sakura Quest3

Cabe aclarar que la serie tiene un buen balance entre la comedia y la seriedad que involucra el tema del turismo. El ritmo de cada capítulo es bastante ágil (siendo de algunos eventos autoconclusivos) y agradable de seguir. Tal vez lo más difícil de llevar de Sakura Quest sea la impresión inicial de los personajes principales ya que son personalidades bastante vistas en muchas series,  pero eso va cambiando de a pocos con el avance de cada capítulo, lo que permite apreciar mejor la influencia que tiene la gran responsabilidad de su papel de “monarcas” en nuestro grupo de protagonistas.

Como mencione inicialmente, lo más llamativo de la serie es la puesta en escena en cada capítulo de las nuevas ideas que se proponen para generar atención en la ciudad, y como estas propuestas son o no aceptadas por las diferentes partes de la comunidad, logrando muchas veces que podamos sentirnos parte del dilema, sin poder darle por completo la razón a alguna de las partes ni poder tomar una decisión que agrade a todos.

Sakura Quest4

Esperemos que P.A Works siga llevando la serie a mejor en lo será una duración de 25 capitulos, y mantenga o mejore la calidad lograda en Shirobako; sin duda, considero que han tenido un buen punto de partida. Si te gustan series del estilo de Barakamon o Shirobako, y en especial si tienes interés de conocer más facetas de la vida en Japón que no suelen mostrarse en otras series, recomiendo que le des a este nuevo proyecto una oportunidad.

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución.

¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Shingeki no Kyojin

Temporada 2017 – Shingeki no Kyojin

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Luego de cuatro años de espera, la adaptación de Shingeki no Kyojin vuelve de la mano del estudio Wit, con la consigna de elevar su popularidad aún más que antes. Si bien el tiempo de espera para la nueva temporada es considerable (en especial si se toma en cuenta que solo tendrá 12 episodios, por temas de capacidad y asignaciones), el primer capítulo nos indica que estamos ante una adaptación que tendrá la misma calidad, si no mejor, que la que pudimos disfrutar en el 2013.

Shingeki1

En realidad, basta con revisar uno de los capítulos anteriores, para darse cuenta que, si bien es una serie visualmente buena, el nivel de animación mostrado en este primer capítulo lleva el detalle y trabajo a un mayor nivel (incluyendo el opening), de la mano del nuevo director Masashi Koizuka, quien participó anteriormente en Owari no Seraph.

Respecto al episodio en sí, si bien el ritmo es algo lento, se dan varios acontecimientos importantes para lo que va a ser la trama a futuro (sin dar spoilers para los que solo siguen el anime). Inicia con un resumen de los últimos sucesos de la primera temporada, para enfocarse en el descubrimiento de los titanes dentro de las paredes, y las posibilidades de conspiraciones internas, con el Pastor Nick y otros miembros del culto posiblemente involucrados.

Shingeki2

Gran parte del episodio se centra en el elenco de personajes secundarios, en el que se nos muestra los horrores que se vivirán dentro de las murallas, al darse un nuevo ataque que presenta un nuevo tipo de titán, con una apariencia más bestial que el resto. La escuadra deberá separarse para poder sobrevivir al ataque, siendo el comandante Mike (uno de los mejores combatientes, solo por debajo del capitán Levi) quien decida ganar tiempo para proteger a sus congéneres y que puedan anunciar sobre el peligro que se acerca a la ciudad.

Shingeki3

El enfrentamiento es sin duda la parte más atractiva del episodio (y el soundtrack que acompaña cada escena), hasta que llegamos a ver al nuevo titán, denominado Titán Bestia, en acción. Si bien su fuerza se convierte en el mayor obstáculo para el comandante, la parte más estremecedora se da cuando el titán demuestra que tiene capacidades cognitivas al nivel de los humanos, al destruir cualquier posibilidad de escape de Mike e intimidándolo para poder obtener información de sus armas.

Shingeki4

Sin duda el capítulo ha sido una buena reanudación de la serie, poniendo nuevos enigmas sobre la mesa y un nuevo enemigo a enfrentar (del cual Eren y compañía no tienen conocimiento aún). ¿Qué tan lejos llegara el nuevo ataque de los titanes? ¿Se descubrirá el origen de esta nueva especie de titán? ¿Se explicará la verdad sobre la construcción de los muros? Esperemos que el ritmo en los 11 capítulos que nos quedan sea el adecuado para disfrutar al máximo de esta segunda temporada y que no tengamos que esperar tanto tiempo para la tercera.

Queda como advertencia para quienes aún no se animan a seguir el manga que el ending de esta temporada será clave para el futuro.

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Yuri!!! on Ice, historia sobre hielo

Yuri!!! on Ice, historia sobre hielo

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

A veces solo basta con un mal día, un mal momento para que meses, años de preparación, de esfuerzo para lograr un sueño se hagan pedazos. Pero, ¿debe una cadena de infortunios ser una razón para detenerse? ¿Es factible volver a levantarse luego de darse cuenta de que muchas de las cosas que anhelabas no estaban a tu alcance? Para Yuri Katsuki, un patinador artístico poco conocido, con el sueño de triunfar en el Grand Prix Final y representar a su país, fallar no es una opción. Pero cuando la misma exigencia que te impones hace que los nervios y la inseguridad se apoderen de ti, el resultado puede ser desastroso. No solo es el hecho de no demostrar cuánto te preparaste, sino el pensar que ni siquiera ha sido suficiente, lo cual, en el caso de Yuri, al quedar en el último lugar de la competencia y ver que el resto de competidores no lo tenían en cuenta, lo llevará a replantearse si vale o no la pena que se dedique al patinaje sobre hielo.YOI1

Datos de la serie
Título: Yuri!!! On Ice (ユーリ!!! on ICE)
Géneros: Comedia, Deporte, Slice of Life
Categoría: PG – 13
Episodios: 12 (Octubre 2016 – Diciembre 2016)
Estudio: Mappa

Opinión

Si algo se debe reconocer a Yuri!!! On Ice por sobre otras series que se estrenaron el año pasado, es que fue una propuesta hasta cierto punto arriesgada, sobre todo viniendo de un estudio como Mappa, que no tiene tanto recorrido en cantidad de series y no ha tenido un baluarte que haya hecho que el estudio sea más reconocido a nivel general (claro, hasta ahora). Para ser sincero, lo que me animó a iniciar este anime fue el deporte escogido como eje principal (patinaje sobre hielo), del cual el último recuerdo relaciona que tengo es de la animación Endless Night. Y estando detrás de la producción Sayo Yamamoto, quien participó anteriormente en Samurai Champloo, Space Dandy, Michiko to Hatchin (recomendada) y la película de Lupin III: Mine Fujiko to Iu Onna me hacían creer que el esfuerzo puesto en la serie sería de calidad.

Luego de la experiencia, debo decir que, si bien no es la serie de deportes que inicialmente esperaba, tiene elementos muy bien trabajados que justifican el hecho de que se haya establecido como una serie bastante reconocida a nivel mundial (al menos durante el año pasado y parte del presente), aunque probablemente no sean estos por los que la serie en si haya brillado, sino por la pareja protagonista.

Y sí, en realidad los personajes principales terminan siendo el centro de atención de Yuri!!! On Ice, situando a nuestro personaje principal Yuri Katsuki, en una nueva oportunidad de pelear por su sueño, de la mano (creo que nunca mejor expresado) de su nuevo entrenador y compañero, Victor Nikifov, estrella del patinaje ruso e ídolo de Yuri. A partir de esta nueva asociación se empieza a apreciar el arduo camino que conlleva el prepararse para una competencia de patinaje artístico, el recuperar la confianza perdida (por la parte de Yuri), y el aprender a ser un buen maestro.

YOI2

La diferencia inicial entre las personalidades de ambos, siendo Yuri inicialmente un pesimista de alto nivel con cierto grado de inseguridad y Victor siendo alguien bastante alegre pero a la vez dedicado y estricto, hace que la dinámica entre ambos brinde la mezcla de intervenciones cómicas adecuadas para balancear el dramatismo de las competiciones. Conforme se van enfrentando a estas, se va observando el crecimiento de ambos, así como el de su relación, la cual termina siendo la principal diferencia con otras series spokon (o de deportes). Yuri!!! On Ice es la primera serie (que no pertenezca a la categoría de yaoi) en la que se presenta una pareja homosexual como parte del elenco principal, sin necesidad de exagerar o satirizar la relación, lo cual, desde mi punto de vista, es una propuesta que debería llevarse con la misma naturalidad en otras oportunidades.

Por otro lado, lo que sí tiene en común con otros animes de deportes, es el elenco de competidores, entre los que sobresale el homónimo del personaje principal, Yuri Plisetsky, más conocido como Yurio, quien se nos presenta como un joven genio del patinaje artístico, con una personalidad explosiva, lo que termina siendo un arma de doble filo en su desempeño, y que será el rival que buscará llevar a Yuri (Katsuki) a valorar lo que es este deporte. Ya en menor medida, se encuentran Phichit Chulanont, promesa Tailandesa y gran amigo de Yuri; Jean-Jacques “J.J” Leroy, el joven de oro; Seung Gil Lee, el lobo solitario, entre otros, que también buscan luchar por ser reconocidos a nivel mundial.

YOI3

Si bien para muchas de las personas (principalmente el público femenino), el mejor exponente de la serie son los personajes, en mi opinión tanto el dibujo como el soundtrack de la serie son de lo más cuidado que se puede encontrar en la última temporada de animes del año que se fue. Bueno, tal vez no tanto la animación en sí, que en el primer capítulo se nos muestra de un nivel excelente, para luego tener oportunidades en las que parece la animación de Dragon Ball Super, sino por el nivel de detalle en el diseño de cada personaje, de los entornos o ubicaciones, y sobre todo, en las rutinas el vestuario utilizado en cada competencia. Valga mencionarlo, el patinador Kenji Miyamoto se encargó de coreografiar todas las rutinas para conciliar la idea de realismo que el anime pretendía con respecto al deporte; y segundo, la vestimenta de los patinadores estuvo a cargo de un diseñador especializado en confeccionar atuendos para verdaderos patinadores, factores con los que se aprecia el realismo que buscaban brindar al representar el deporte.

YOI4

Finalmente, en lo que al audio respecta, creo que el opening (History Maker) y el ending (You Only Live Once) son muy buenos cada uno en su propia forma. El OP porque representa de forma notable el arte y elegancia presentes en el patinaje sobre hielo (con cambios en la presentación) y con una letra acorde al mensaje de la serie; y el ending, que muestra en cierta forma como está influyendo la tecnología en el mundo del deporte y su difusión. Por la parte del sountrack, en especial para las competencias, se trabajó mucho en la variedad, grabando el sonido de patinaje en diferentes ubicaciones, para retratar la diferencia entre los sitios de competencia y hacer reconocibles de forma auditiva cada movimiento realizado en las coreografías. En pocas palabras, cada episodio tiene un diferente set de efectos de sonido, y para las competencias, diversas composiciones musicales, según el estilo del personaje. Una verdadera odisea de trabajo.

Conclusión

Tal vez Yuri!!! On Ice no termine siendo un exponente del género de deportes, pero la pareja principal no dejará indiferente a nadie (para bien o para mal). Creo que la corta cantidad de capítulos afecta el resultado final de la serie, en la que no se termina de profundizar en los elementos que nos presenta. No se consigue llegar a un buen balance entre la parte deportiva que involucran las competencias de patinaje y el crecimiento de Yuri y Victor; además de que no se termina de desarrollar el resto de los personajes (fuera de Yurio), que se muestran inicialmente como interesantes, pero no terminan de reflejarse como rivales a vencer. De todas formas, si tienes interés en conocer sobre el patinaje artístico, recomiendo mucho la serie, ya que muestra conceptos de las competencias, y el valor e implicancias de las presentaciones tanto en el programa corto como en el programa libre, para poder definir a los ganadores, con lo cual, si genera de forma más natural la sensación de incertidumbre respecto al desenlace de cada competencia.

YOI5

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución
¡Hasta la próxima oportunidad!

¡Bonus!
Por supuesto, el tema del rey JJ:

Re: Zero, los riesgos de un nuevo comienzo

Re: Zero, los riesgos de un nuevo comienzo

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

La oportunidad de abandonar una vida aislada, monótona o vacía, y de despertar en un mundo de fantasía, que a primera vista se asemeje a los juegos de rol en los que uno suele perderse, suena a un sueño hecho realidad. Iniciar una vida en un entorno en el que podemos ser alguien más, tener protagonismo, controlar el curso de los eventos y crear nuestra vida ideal. Hasta que nos demos cuenta de que, aun cuando el mundo cambie, no significa que vaya a girar en torno a uno. Que, incluso cuando las circunstancias sean diferentes, el rol que asumimos o el resultado que obtendremos no variarán si no hacemos algo por mejorar quienes somos. Ese es el largo camino de redención de Subaru, un joven solitario e introvertido (calificable como hikkikomori en el inicio) que repentinamente es transportado a un mundo de fantasía, en el cual descubrirá el verdadero valor de sus acciones, y que solo a través de la adversidad uno puede empezar de “zero”.

re-zero

Datos de la serie
Título: Re:Zero -Starting Life in Another World- (Re:ゼロから始める異世界生活)
Géneros: Drama, Fantasía, Aventura, Psicológico, Suspenso
Categoría: R – 17 +
Episodios: 25 (Abril 2016 – Septiembre 2016)
Estudio: White Fox

Manga
Año: Junio 2014 – Presente
Autor: Tappei Nagatsuki
Revista: Monthly Comic Alive, Big Gangan
Género: Seinen
Volúmenes: 8
Arcos: Un Día en la Capital, Una Semana en la Mansión, La Verdad de Zero

Extras
Novela: Re:Zero kara Hajimeru Isekai Seikatsu (abril 2012 – presente)
Light Novel: Re:Zero kara Hajimeru Isekai Seikatsu (Enero 2014 – Presente)
Juego: Re:Zero -Starting Life in Another World- Death or Kiss (PSVita/PS4, Marzo 2017)

Opinión

Empezar a ver Re:Zero fue una decisión bastante complicada. Al haber pasado por series como Log Horizon, Grimgar o incluso Konosuba, empezar otro anime con temática de fantasía no me resultaba muy llamativo. Leer la sinopsis no ayudó, daba la impresión de reunir muchos tópicos ya vistos en las últimas temporadas. Tras ver el primer capítulo, mis expectativas no eran muy altas, con una impresión de los personajes más que repetida de otras series. Lo interesante se presentó ya bien avanzado el especial (la serie empezó con un capitulo doble) en el que se nos muestra el poder o maldición de Subaru, el reinicio, que me motivó a continuar algunos capítulos más para ver hacia dónde se dirigía la historia (mención especial a Boku Dake ga Inai Machi o a la adaptación americana de All You Need is Kill, Edge of Tomorrow).

De esta forma, empecé el segundo episodio con un presentimiento de posible decepción, que afortunadamente no llegó a plasmarse. Es cierto, conforme avanzan los capítulos se puede observar que Re:Zero tiene muchos elementos clichés, repetidos en muchas series que solo abusan de estos para obtener cierta popularidad. Pero es justamente con el avance de la historia que poco a poco se aprecia que se usan estos elementos de forma diferente en la historia, al darle una vuelta de tuerca a la idea de un protagonista aislado que llega a un mundo de ensueño, inicialmente actuando de una forma incómoda pero reconociblemente humana (y quizás esta sea la razón por la que hay disparidad de gustos por esta serie), para enfrentarse con el hecho de que sus limitaciones no cambian solo por cambiar las circunstancias que lo rodean; que el solo desear y esforzarse para alcanzar algo no necesariamente dará el resultado que se espera, menos si es que los motivos que te impulsan a ello son una distorsión de buenas intenciones.

re-zero1

Un papel similar representan las protagonistas femeninas, Emilia y Rem, que a primera vista parecen personajes de fanservice en este tipo de historias, simbolizan las decisiones que debe afrontar Subaru para crecer. Por una parte, Emilia, el centro de afecto de nuestro protagonista, busca vencer sus inseguridades, resultado de su pasado, para ganar relevancia ante la amada real. Deseo que se verá frustrado por las decisiones negligentes de Subaru, quién ve mayor valor en su anhelo de acercársele o ganarse su afecto, que en las consecuencias que ello acarrea.

Rem, por su lado, inicia con un papel menos relevante, al ser sirvienta de la mansión Roswaal; luego se convierte en el apoyo principal de Subaru, pero a la vez, representa las intenciones iniciales de este de buscar una salida fácil a su situación, de no crecer más allá de las dificultades.

re-zero2

Las personajes en sí no tienen personalidades muy marcadas, pero es el resultado de las decisiones sobre estos lo que permite que la historia haga llegar el mensaje de conflicto interno que no se suele esperar en un género de fantasía. Los mejores ejemplos de ello se vislumbran a mitad de la serie, donde se muestra que la temática (al igual que en Boku Dake) y demás elementos son puntos de apoyo para mostrarnos que en el camino que construimos, nuestros ideales, creencias y actitudes con las que nos identificamos pueden afectar la percepción que tenemos de nosotros mismos.

Re:Zero es una serie con un envoltorio de aventura (en el que se maneja la comedia y el gore de forma que recuerda a Full Metal Alchemist) pero con un contenido de auto-análisis, que busca hacernos dudar sobre la verdadera naturaleza de un héroe o sobre qué es lo que realmente significa ser una buena persona. Pensamientos que convergen en el último tramo de la serie, para brindarnos una respuesta que considero más que satisfactoria. Todo ello, mostrando que crecer no implicar cambiar quienes somos, sino que es la búsqueda de mejorar nuestras cualidades y reordenar nuestras prioridades.

re-zero3

Sobre el apartado técnico, hay que decir que el estudio White Fox cumplió un papel bastante irregular, posiblemente por la cantidad de capítulos realizados, pero las partes más cuidadas en cuanto animación permiten que la serie se disfrute sin dificultades. El soundtrack realiza buenos homenajes al género de fantasía, aportando cierta identidad propia; y los openings y endings, si bien no son de mi estilo, son bastante agradables (el primero es el que mejor representa a la serie).

Conclusión

Re:Zero es una serie que dista de ser perfecta, pero los riesgos que toma con elementos muy comunes hacen que temática y emocionalmente, sea bastante única y fuera de mis expectativas iniciales; por lo que, lo considero uno de los animes a ver de la temporada que se fue (sobre todo si buscas una serie sin un protagonista omnipotente). Fuera de que pueda gustarte o no el género de fantasía, la ilación de detalles, la relevancia de los secundarios, y los paralelismos con Steins;Gate (aunque no al nivel de esta última) son buenos motivos para iniciar y engancharse a Re:Zero.

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Bonus: Traducción de los siguientes capítulos de las novelas (aunque en inglés)

 https://translationchicken.com/2016/09/21/rezero-web-novel-fan-translation-table-of-contents/

Eden of the East, de nexos y poder

Eden of the East, de nexos y poder

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Para responder preguntas abiertas existen muchos enfoques desde los cuales se puede llegar a una respuesta. Pero cuando una duda o crisis involucran el campo de lo moral, no necesariamente habrá una respuesta o acción correcta; todos tenemos una perspectiva propia, ideas y personalidades que nos llevan a decidir por lo que creemos correcto. Si de pronto te encontraras con suficiente poder para controlar a otros, para comprar el futuro, ¿cuáles serían las decisiones que tomarías?, ¿qué es lo que te atreverías a cambiar?, ¿qué tan lejos te atreverías a llegar? Estas son las dudas que se abordan en Higashi no Eden. En la serie, un grupo de personas (bajo el nombre de Seleção) forman parte de un “juego” para salvar a Japón, se les ha brindado un dispositivo móvil cargado con 10 billones de yenes para lograr su objetivo. Claro, cada uno de ellos actuando bajo sus propias creencias y acorde a sus experiencias y habilidades, luchando contra la infección de mentiras y corrupción de su entorno.

eden1

Datos de la serie
Título: Higashi no Eden (東のエデン)
Géneros: Acción, Sci-fi, Misterio, Drama, Thriller.
Categoría: R – 17
Episodios: 11 (Abril 2009 – Junio 2009)
Estudio: Production I.G

Extras
Películas:
Air Communication (Setiembre 2009)
The King of Eden (Noviembre 2009)
Paradise Lost (Marzo 2010)
Novelas:
Higashi no Eden (Setiembre 2009)
The King of Eden – Paradise Lost (Abril 2010)

Opinión

Higashi no Eden o Eden of the East, fue una de las series más vistas del 2009, en especial por el interés que genera el primer capítulo. El ambiente presentado, la intriga inicial, y los elementos de enfrentamiento y conflicto moral que se plantean son las razones por las que al inicio llamó la atención. Por supuesto, además de contar con Kenji Kamiyama como director (quien participó en Patlabor y dirigió Ghost in the Shell) y con Chica Umino como diseñadora de los personajes (autora también de Honey and Clover), lo que hasta cierto punto era un indicativo del potencial de la serie.

Y menciono potencial porque (de forma similar a lo que sentí con Boku dake ga inai machi) se buscan abarcar tantos temas e ideas en una formato muy corto (una temporada de 11 capítulos) que no todos terminan de desarrollarse al máximo o de la mejor manera; lo que termina por dejar una sensación agridulce. Parte de estos detalles se tratan y profundizan en las películas, pero de igual forma quedan lagunas y temas de libre interpretación que me hubiese gustado ver cerrados.

Respecto a nivel general del anime, Higashi no Eden tiene un ritmo inusualmente calmado, que aprovecha bastante bien para manejar el misterio y el aumento de la tensión en cada capítulo, gestionando de una forma peculiar las escenas de acción y violencia sin salir del estilo de la serie.

Como mencioné al inicio de esta reseña, el tema central de Higashi no Eden es el dilema moral planteado por la posibilidad y responsabilidad, ligadas al poder del dinero; los conflictos y peligros que ello conlleva, y las verdaderas razones por las que uno puede terminar involucrado en esta situación tan particular. Estas sensaciones se transmiten a través de los personajes principales: Saki Morimi, una estudiante de universidad que inicialmente se encuentra en su viaje de graduación en Nueva York, donde conocerá a Akira Takizawa, un joven de 22 años que ha perdido la memoria.

eden2

El dúo principal es, para mi gusto, uno de los mejores componentes de Higashi no Eden. A partir de que Saki decide acompañar a Akira a Japón y ayudarlo a recuperar su memoria, se va desarrollando la personalidad de cada uno a lo largo de la historia. Por una parte, Akira, quien desde el inicio se nos presenta como alguien simpático, amable y comprensivo, atraviesa etapas de conflicto y hasta de locura por su naturaleza excéntrica y por la carga que asume mientras va descubriendo las razones por las que pertenece al Seleção, y su relación con un atentado realizado mediante el lanzamiento de misiles a una ciudad de Japón. Mientras que Saki, que si bien se muestra más como un personaje que no resalta, aporta sus capacidades de observación y precaución para ayudar y proteger a Akira, y gracias a su empatía, llega a fácilmente establecer amistades con otros, incluyendo a otros miembros del Seleção; parte de su crecimiento se va dando mientras van descubriendo más información sobre el atentado, al tener que decidir entre su intuición o la confianza que tiene en Akira.

El resto del elenco, si bien aporta a la temática presentando diversas formas en las que su pasado afecta su forma de aprovechar el poder que han obtenido (como el caso de Jintaro, quien no gasta parte del dinero; el Dr. Hajime, quien soborna a políticos para ayudar a los adultos mayores; o Kuroha, quien simplemente busca justicia a través de la venganza), tiene como principal función el guiar a Akira a conocer sobre el juego del que forman parte, y sobre su pasado.

eden3

Otra característica a resaltar de Higashi no Eden es la animación. Si bien a primera vista el estilo de los personajes puede resultar peculiar (para quienes no hayan visto Honey and Clover), una vez acostumbrado, se puede sentir que la fluidez del estilo es muy agradable de ver (aun a falta de escenas de cargadas de acción, que le habría permitido resaltar más). El detallismo y la definición de los trazos, así como el trabajo realizado en los fondos (con un estilo pasteloso y acuarelado) demuestra el cuidado que se le puso a la serie, cualidad que en parte se espera de un estudio como Production I.G. De todas formas se siente que intentaron crear un estilo único para la serie, que le permitiera a Kamiyama Kenji mostrar la personalidad y humanidad de sus personajes.

El tema escogido para el opening (Falling Down de Oasis) es una forma excelente de iniciar la serie, además de que la banda sonora, compuesta por Kawai Kenji, tiene temas trabajados para la mayoría de situaciones (desde tonos del estilo de jazz, hasta tonadas perturbadoras), siendo el más resaltante Reveal the World, permitiendo que esa sensación y atmosfera de misterio y seriedad se asiente. Si bien el ending no me resultó memorable, si me llamó mucho la atención el estilo utilizado para la animación, con una técnica stop-motion con papel muy bien realizada.

Conclusión

Higashi no Eden representa una experiencia interesante no solo por las temáticas que abarca, sino también por la calidad y, hasta cierto punto, originalidad que presenta en sus componentes estéticos y audiovisuales. Analizar las razones por las que una persona actúa de cierta forma o hasta qué punto el fin justifica los medios, si bien no terminan por ser el objetivo central de la serie, son un gran aliciente para darle una oportunidad. Para los más críticos puede ser un anime que se toma muchas libertades al contar la historia, que termina de ser una experiencia más redonda al complementarse con las películas (que tratan algunos puntos que se dejan en el aire en la serie), permitiendo que el viaje de Akira y Saki a través del misterio establecido sea una presentación bastante cautivadora.

eden4

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Initial D, el dominio de la velocidad

Initial D, el dominio de la velocidad

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

A veces se presentan las circunstancias adecuadas para descubrir habilidades que nunca habíamos considerado tener, abriendo la posibilidad de un rumbo que inicialmente no entraba en nuestros planes o intereses. Pero, ¿basta con la habilidad innata para brillar en un entorno nuevo, que está lleno de competidores con sed de triunfo?, ¿es posible que este nuevo interés sea lo suficientemente importante para convertirse en una meta? Esta es la situación en la que se encuentra el protagonista de la serie Initial D.

Takumi Fujiwara, un estudiante de instituto de bajo perfil que se conforma con ayudar a su padre a realizar sus entregas de venta de tofu, razón por la que obtiene su licencia de conducir a pesar de su desinterés en los autos o en la conducción en general. Si bien nunca participa en las conversaciones de sus amigos, por ser siempre sobre el mundo de las carreras, sus intereses pronto se verán alterados, cuando se ve obligado a reemplazar al líder de los Speed Stars de Akina en una carrera de descenso de montaña contra los reconocidos Red Suns; provisto únicamente del auto de las entregas, su experiencia conduciendo hasta la ubicación de los clientes y su, desconocida incluso para él, habilidad innata de corredor.

initiald-1

Opinión
Introducirse en el mundo de Initial D es una tarea complicada. No por el contenido de la serie en sí, sino por factores que juegan en contra, principalmente la longevidad. Initial D es una de las series de carreras (considerándola en el género de spokon/deportes) de mayor duración, el manga se estrenó en 1995 y el anime en 1998. Y por ser una serie considerada antigua, es que existen aspectos que no son para el gusto de todos. El estilo artístico de los personajes o los efectos CGI utilizados para las carreras, así como cierta simpleza en la trama inicial, pueden afectar la impresión inicial de cualquiera que busque interesarse en la serie. Sin embargo, a pesar de la simpleza de sus elementos, son las carreras las que permiten que esta serie brille con suficiente fuerza para ser reconocida y tener el respaldo de sus seguidores.

Y es que se puede observar que la experiencia de las carreras está realmente trabajada, empezando tanto por los lugares como por los autos que se muestran a lo largo de la serie, representaciones muy logradas de sus elementos en la realidad, con excepción de Akina, que es el escenario principal. Además, no solo busca impresionar mediante la sensación de velocidad, sino que mantiene un componente estratégico importante para obtener las victorias en la mayoría de carreras, incluye explicaciones de los automóviles, conceptos de conducción y de mecánica para quienes no están muy metidos en este mundo. Todo ello reflejado en el crecimiento de Takumi y su dedicación al automovilismo conforme avanza la serie.

initiald2

Considerando la temática de las temporadas, la serie (con su total de 80 capítulos en anime) puede dividirse en dos partes: El inicio y desafíos de Takumi para crecer como corredor y hacer su nombre reconocido en la región Gunma (que abarcaría las temporadas 1°, 2° y 3° Stage); y, el nacimiento del Proyecto D, que abarca un tramo de competencias en diferentes prefecturas de Japón. Si bien, y a pesar de la cantidad de capítulos, los personajes de la serie no son demasiado elaborados, existe un desarrollo suficiente de la interacción entre compañeros y rivales (la habilidad de Takumi, la elocuencia de Kenji, y el gran estilo y carisma de Ryosuke Takahashi, por nombrar a los que más aparecen) para hacer agradables los tramos fuera de la pista.

Se debe mencionar que si bien la historia no busca ser compleja, es mucho más dinámica en las primeras temporadas, al presentar mayor variedad de situaciones y elementos en las carreras, con diversas reglas, planteamientos y motivos en las competiciones; además de las habilidades de los contrincantes y con una duración justa para cada carrera, lo que evita que la serie caiga en la monotonía, debilidad muy común en los animes de deportes. Para mi gusto, el nivel decae en lo que identifiqué como la segunda parte de la serie, al hacerse más previsible en los desenlaces.

initiald3

Un aspecto importante a tener en cuenta, es que a pesar de ser una serie de tantos años es de las pocas que ha pasado por las manos de tantos estudios y que ha experimentado una evolución positiva. Desde lo que es la First Stage (a cargo del estudio comet), una adaptación gráfica bastante cercana al manga (para bien o para mal, si se considera el estilo del dibujo) y con la innovación del uso de CGI para los autos, con apariencias bastante toscas (similares a los polígonos de la PS1), pero con características lo suficientemente importantes que permitían reconocer el modelo del auto en la vida real; hasta la adaptación de la Final Stage (responsabilidad de SynergySP), con un mayor presupuesto y técnicas de animación más pulidas, en las que el CGI de los autos se acopla de forma casi perfecta con la animación tradicional, que hacen dudar a quienes han seguido Initial D desde sus inicios que sea la misma serie que empezó a finales de los 90.

Y por último, pero no menos importante, el soundtrack, digno de disfrutarse en cualquier evento, que introduce la adrenalina y emoción de las escenas de carreras. Si bien la mayoría tiene un estilo techno/dance/electro, encaja bastante bien con la serie si se considera que no son simples pistas de audio sino canciones muy bien interpretadas. De igual forma los openings y endings de todas las temporadas tienen un tono bastante pegajoso. El punto más bajo puede encontrarse en las situaciones slice-of-life de la serie, en las que la banda sonora llega a ser bastante simple y repetitiva.

Conclusión
Initial D no es una serie que recomendaría a todo el mundo, principalmente porque muchas personas pueden rehuir del aspecto gráfico de la serie, y porque no es muy común interesarse por un anime que tenga como temática central las carreras de autos (el ejemplo más renombrado es Mach GoGoGo, mejor conocida como Speed Racer o Meteoro). Sin embargo, si eres de los que busca disfrutar más del contenido de una serie spokon, no te sentirás decepcionado de darle una oportunidad a la serie, ya que tiene a su favor el ser bastante accesible en el primer gran tramo, disfrutable si estas interesado en el mundo del automovilismo y hasta cierto punto, informativa; además de contar con una excelente banda sonora, que probablemente pase a ser parte de tu lista.

initiald-4

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución

¡Hasta la próxima oportunidad!

Datos de la serie
Título: Initial D (頭文字D)
Géneros: Drama, Deportes
Categoría: PG – 13

Anime
Series: Initial D First Stage (26 capitulos), Initial D Second Stage (12 capítulos), Initial D Fourth Stage (24 episodios), Initial D Fifth Stage (14 episodios) e Initial D Final Stage (4 episodios)
Ova: Initial D Extra Stage (2 capítulos), Initial D Extra Stage 2 (1 capítulo), Initial D Battle Stage (1 capítulo), Initial D Battle Stage 2 (1 capítulo)
Películas: Initial D Third Stage (Enero 2001); New Initial D: Legend 1 – Awakening (Agosto 2014), Legend 2 – Racer (Mayo 2015), Legend 3 – Dream (Febrero 2016)
Estudios: Estudio Comet, Pastel, Estudio Deen, A.C.G.T, SynergySP

Manga
Año: Junio 1995 – Julio 2013
Autor: Shuichi Shigeno
Revista: Young Magazine
Género: Seinen
Volúmenes: 48

Extras
Live Action: Initial D, adaptación hecha por Hong Kong

Bonus: Lista con clips del sountrack de la serie

Erased, la ciudad donde solo yo falto

Erased, la ciudad donde solo yo falto

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

El remordimiento de dejar pasar una oportunidad, de no haber tomado otro rumbo, o de haber hecho una mala elección suele ser una carga que pocas personas pueden dejar atrás. Si supiéramos que alguna de nuestras acciones podría cambiar un desenlace terrible, ¿valdría la pena actuar para poder cambiar el destino de alguien, sin importar el precio que ello implique?

Para Satoru Fujinuma, protagonista de la serie Boku Dake Ga Inai Machi (Erased como título en inglés), existe la posibilidad de retroceder en el tiempo, de forma involuntaria, momentos antes de que ocurra algún accidente o desgracia. Sin embargo, evitarlos suele traer consecuencias sobre su persona. Al evitar uno de estos incidentes, generará que las desgracias de un pasado olvidado vuelvan a buscarlo, resultando en el asesinato de su madre, suceso que descontrolará aún más su habilidad de regresar en el tiempo. Al recuperar el conocimiento, se dará cuenta de que ha retornado a su infancia, donde deberá evitar la serie de asesinatos que había olvidado y así, poder recuperar a su madre.

erased

Datos de la serie
Título: Erased/Boku Dake ga Inai Machi (僕だけがいない街)
Géneros: Seinen, Psicológico, Drama, Sobrenatural
Categoría: R – 17 +
Episodios: 12 (Enero 2016 – Marzo 2016)
Estudio: A-1 Pictures

Manga
Año: Junio 2012 – Marzo 2016
Autor: Kei Sanbe
Revista: Young Ace
Género: Seinen
Volúmenes: 8
Spin-offs:
Boku Dake ga Inai Machi: Re (Junio 2016 – Presente)

Extras
Light Novel: Boku Dake ga Inai Machi: Another Record (Noviembre 2015 – Marzo 2016)
Live-Action: Boku Dake ga Inai Machi (19 de Marzo de 2016)

Opinión

Sin duda alguna, Boku Dake ga Inai Machi fue una de las series más comentadas en la temporada de invierno del presente año. Con el interés creciente conforme avanzaba el manga, y la muy buena impresión que deja el primer capítulo (considerando lo condensado que termina siendo para crear expectativa), no fue difícil el decidir seguir la emisión cada semana.

Este anime empieza mostrando varios elementos a incluir en la historia, como una temática de adaptación social, la posibilidad de viajes en el tiempo, el componente de misterio detrás de una serie de asesinatos, frialdad o indiferencia de la sociedad, entre otros. Es una serie que en sus primeros capítulos tiene una puesta en escena muy prometedora, pero que finalmente abarca más lo que realmente ofrece a primera vista.

El enfoque de la serie se encuentra principalmente en las emociones de los personajes y en el desarrollo de sus relaciones. El “Revival” (la habilidad involuntaria de Satoru, el personaje principal) y el misterio del autor de los asesinatos aumentan el interés de la historia, no obstante pasan a tener un papel secundario en comparación al componente Slice-of-Life (o vida diaria) psicológico. Este contraste se hace bastante notorio cuando nos topamos con las escenas relacionadas a Kayo Hinazuki, que es, a mi opinión, donde más brilla la serie.

De igual forma, el personaje de la madre de Satoru, Sachiko Fujinuma, ofrece una representación memorable como una persona honesta y valiente, pero sobre todo dedicada.

erased1

Lo que más destaca en cada capítulo, es la sensación de remordimiento que Satoru busca enfrentar. Él tiene la oportunidad de aprovechar las nuevas y quizás últimas oportunidades que se le presentan para actuar de la forma en la que no fue capaz inicialmente por desapego y por conformismo. Se irá dando cuenta que a veces, más que grandes ideas, son las pequeñas acciones las que empiezan a cambiar las cosas.

Otros aspectos muy valorables de Erased se encuentran en su ambientación y animación artística, así como en la banda sonora. Como ya nos tiene acostumbrados el estudio A-1 Pictures (con series como Sword Art Online, Ano Hana o Shigatsu wa Kimi no Uso), la animación es fluida, con unos fondos muy trabajados, y con momentos y escenas que realmente ayudan a transmitir la temática y sentimientos a los que el autor de la serie ha dado prioridad. Ello, en combinación con el soundtrack (compuesto por Yuki Kajiura) brinda diversos matices para ofrecer el mejor resultado en los momentos clave de la serie y, sin dejar de lado, el opening brindado por Asian Kung Fu Generation, que probablemente sea el elemento más recordado y valorado de la serie, ya que transmite el mensaje principal de Erased.

erased2

El limitante más grande de Erased es la cantidad de capítulos dedicados a la adaptación, considerando que en el tramo final, la publicación del manga aún no había finalizado, razón por la cual el final del anime se aleja un poco del final presentado en el manga. El mejor intervalo de la serie son los primeros 6 episodios, luego el cambio de ritmo y contenido se empieza a notar. Para poder llegar al final, se terminan recortando escenas que si bien no son primordiales para el desarrollo de la historia, aportaba en la presencia y desarrollo de los personajes secundarios y del mismo Satoru.

Conclusión

Si bien es cierto que Erased deja en el aire muchas ideas iniciales y con una sensación de Deus Ex, se mantiene como un buen elemento de Slice-of-Life, con tintes psicológicos. Solo por los primeros capítulos, y por el personaje de Hinazuki, es una serie que merece mucho una oportunidad. Como complementos del desarrollo de los personajes, los rasgos de misterio y viajes en el tiempo cumplen para hacer caminar la historia, dejando el peso principal en los eventos que dan origen al título de la serie. A pesar de todo, me quedará esa espina clavada de que la serie tenía un mayor potencial del que se desarrolló finalmente.

erased3

Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución.
¡Hasta la próxima oportunidad!