Recomendaciones: Hunter x Hunter

Recomendaciones: Hunter x Hunter

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Han pasado diecinueve años desde que comenzó a publicarse la serie de cazadores con habilidades especiales, un largo trayecto lleno de aventuras, dificultades y crecimiento de los protagonistas como de los seguidores de las series. Si bien Hunter x Hunter es reconocida por muchos conocedores de animes como uno de los mejores shonens hasta la fecha, siempre se hace mención de uno de los problemas más llamativos que han afectado a la serie; las paralizaciones (más conocidas como hiatus). Y aunque las esperas entre paralizaciones suelen ser bastante largas últimamente (siendo las 2 últimas de cerca de un año cada una), cabe decir que la calidad de la serie se mantiene intacta. Con la vuelta de la publicación de Hunter x Hunter, me di un tiempo de revisionar la última adaptación al anime (2011) para recordar muchos de los detalles que ya no son cercanos, y para recordar lo excelente que ha sido la adaptación realizada por Madhouse.

Datos de la serie

  • Título: Hunter x Hunter (ハンター×ハンター)
  • Géneros: Acción, aventura, superpoderes, shonen.
  • Categoría: PG – 13

Anime

  • Series: Hunter x Hunter 1999 (62 episodios), Hunter x Hunter 2011 (148 episodios)
  • Ova: Hunter x Hunter OVA (30 episodios)
  • Estudios: Nippon Animation, Madhouse

Manga

  • Año: Marzo 1998 – Presente
  • Autor: Yoshihiro Togashi
  • Revista: Weekly Shonen Jump
  • Volúmenes: 34

Opinión

La etapa inicial de Hunter x Hunter no se aleja mucho de las fórmulas comunes de los shonen. La historia nos situa en la Isla Ballena, en donde conocemos a Gon, hijo abandonado por Ging Freecss bajo la tutela de su hermana Mito. Viviendo sin considerar la existencia de sus padres, Gon se encuentra un día con Kite, el aprendiz de su padre, quien le cuenta que su padre no solo aún se encuentra con vida, sino que se ha convertido en uno de los mejores cazadores; individuos de élite y acreditados para el rastreo de tesoros secretos, bestias exóticas e, incluso, otros individuos. Motivado por esta revelación, Gon decide dejar su hogar y presentarse al examen de cazador, una serie de desafíos que buscan probar las habilidades, supervivencia y trabajo en equipo de sus participantes. A partir de esta aventura, Gon conocerá y se amistará con tres prospectos de cazadores: Kurapika, quien desea convertirse en cazador con el fin de vengar a su familia y recuperar los ojos escarlata que fueron robados de sus cuerpos por un grupo de mercenarios conocidos como Gen’ei Ryodan; Leorio, que tan solo quiere ser cazador para poder pagar sus estudios de medicina; y Killua Zoldyck, un joven que abandonó su anterior vida como miembro de la más famosa familia de asesinos.

Lo que parece ser inicialmente una serie de aventuras, sobresale por sobre otros animes por las interaciones entre sus personajes (con una notable relevancia de muchos personajes secundarios), los temas e ideas abarcados, y en especial, la crudeza en las reglas establecidas en el universo de los cazadores; características que evolucionó de manera muy notable de su anterior obra, Yu Yu Hakusho. Como indico, los tres primeros arcos (Examen del cazador, Familia Zoldyck y la Torre del Cielo) sirven para sentar las bases de las reglas que van a regir sobre la serie. Desde la importancia que tiene el obtener una licencia de cazador para poder moverse libremente en el mundo, obtener información y acceso a sitios especiales, entre otras cosas; las razones, metas e ideales de los personajes principales; y las ventajas, los riesgos y el control del nen, que viene a ser una representación del poder “espiritual” de cada persona, que dependiendo del entrenamiento y los compromisos que realice, puede brindar a su dueño de habilidades completamente únicas.

Por los primeros capítulos, uno puede creer que todo el argumento girará en torno a la búsqueda de Gon para encontrarse con su padre, pero la realidad es que cada arco de Hunter x Hunter se compone de diferentes historias, muchas veces con ritmos y duraciones diferentes y con gran variedad entre arco y arco, que ayudan a enriquecer la caracterización del mundo de los cazadores. Abarcando diferentes géneros en cada etapa, entre los que se incluyen la supervivencia, torneos, asesinatos e investigaciones, realidades virtuales, guerras y políticas, entre otros. Aprovechando esta variedad, es muy común ver los saltos en el tono de la serie; pasando de momentos agradables, a situaciones crueles con naturalidad, lo que también facilita que la transición entre los arcos permita sentir con claridad la sensación que busca dar Hunter x Hunter: la de un viaje interminable (claro, sin considerar los parones de la vida real que forman parte de la experiencia). La nueva adaptación de Madhouse aporta mucho en la fluidez de la historia, representando fielmente las escenas del manga, sin incluir relleno a lo largo de los 148 capítulos.

De los aspectos que definen a esta serie por sobre otras es que termina siendo impredecible y poco convencional en la forma de llevar su argumento y a sus personajes. El enfoque está disperso, por lo que los personajes principales pueden llegar a tomar un rol de apoyo o incluso no ser incluidos, debido al alcance de la historia del arco; si bien se suele mejorar con entrenamiento, cada personaje evoluciona a distintos niveles y con diferentes experiencias; el aprendizaje del mundo que los rodea es constante, y no existen bandos definidos entre el bien y el mal (siendo Pariston, Meruem y Hisoka claros ejemplos), si no que las perspectivas de facciones permiten a cada lector o espectador tomar su propia postura.

Parte de la creatividad y complejidad de las series se refleja en las batallas, que no suelen ser un simple enfrentamiento de fuerzas; se ponen en uso la capacidad de cada personaje de explotar sus propias características creadas a través del Nen, asi como su capacidad de conseguir información de forma proactiva de cualquier fuente posible, y la preparación anticipada antes de enfrentarse a un enemigo. Los mejores exponentes en este caso son los arcos de York Shin, Greed Island y las Hormigas Quimera. En el arco de Greed Island se observa la importancia de establecer asociaciones y utilizar con inteligencia los recursos que se obtienen en el mundo de la realidad virtual, mientras que en el arco de las Hormigas Quimera se contempla los rasgos más relevantes en la preparación ante una guerra.
Ya calificando específicamente la adaptación, HxH tiene un apartado técnico excelente. Al principio tal vez demasiado colorido y de aspecto infantil, logra conseguir que apartado artístico se adapte a las partes más oscuras y emotivas de la trama, manteniendo la calidad y la fluidez de la animación en cada capítulo, con picos mucho más notorias en las cortas pero impresionantes batallas. Se cumple un gran papel en transmitir las emociones de los personajes, y en balancear la iluminación, sombreado y texturas acorde al ánimo o tono de los arcos. Todo transmite de forma más lucida la sensación de aventura y la atmosfera entusiasta o perturbadora de la serie, para brindar una atracción o sensación subliminalmente profunda.

El apartado sonoro compuesto por Yoshihisa HIRANO (Death Note, Ouran High School Host Club, Hajime no Ippo), si bien no está al mismo nivel de los demás componentes del anime, cumple bien con su papel de ambientar las aventuras de los cazadores. El cast escogido para representar a Gon, Killua, Leorio y Kurapika, si bien no se asemeja a la adaptación de 1999, encaja perfectamente con los personajes. Finalmente, el OP de la serie y los múltiples endings que tiene representan fielmente cada una de las temporadas. Desde “Just Awake” de Fear, and Loathing in Las Vegas, “HUNTING FOR YOUR DREAM” de Galneryus, “Riot” de Yoshihisa Hirano o “Understanding” de Yoshihisa Hirano, hasta “REASON”, “Nagareboshi Kirari” y “Hyouriittai (表裏一体)” compuestas por Yuzu.

Conclusión

Considero a Hunter x Hunter como una experiencia que ningún seguidor de anime debería perderse. Si bien tiene un inicio que puede considerarse lento y que no se aleja mucho de otras opciones en su mismo género, capítulo por capítulo va construyendo un mundo bastante extenso, interesante y complejo en información; es una escala exponencial que lleva a una sensación y experiencia que pocas veces se consiguen en series de amplia duración. Claro, hay que considerar si el estilo de narración va acorde a los gustos de cada uno; si disfrutas de las series con un enfoque psicológico, de intriga y suspenso, acompañado de batallas tanto tácticas como de fuerza bruta,  entonces estás en buen camino para un viaje genial. Por otra parte, si no eres de quién disfruta la extensión en la información de las reglas de un universo, o la forma en que el narrador participa de la inmersión puede que tengas sentimientos encontrados al seguir la serie. Aún así, pienso que los puntos buenos de HxH pesan por mucho sobre sus contados aspectos negativos, por lo que los anime a que le den una oportunidad a esta ya antigua pero fantástica serie.

¡Bonus!

Compartamos la tristeza de todo seguidor de HxH con un gráfico sobre el tiempo de duración de cada arco desde los inicios de la serie:

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Made in Abyss

Temporada 2017 – Made in Abyss

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Lo desconocido suele ser motivo de miedo y curiosidad. Si el estilo de vida de una sociedad se ve alterada por el descubrimiento de una nueva área de exploración, se presenta tanto la curiosidad por investigar u observar esta existencia antes ignorada, mezclada con el miedo y la inseguridad de saber que peligros o cambios pueden presentarse por esta nueva interacción.

Pero lo desconocido también representa oportunidad; tener la posibilidad de ser asignado a la única área inexplorada del mundo, consistente en un enorme ecosistema de cavernas en un abismo que parece no tener fin, puede significar el descubrimiento de objetos invaluables, y de conocimiento más allá de lo imaginable. En el caso de Rika, lo desconocido es una obsesión. El abismo que solo ha empezado a explorar significa para ella la oportunidad de forjarse un nombre como exploradora, pero sobretodo, poder buscar a su madre. Sin embargo, deberá tener cuidado de no perder de vista muchas cosas importantes por el sueño que tiene, ni dejarse engullir por los misterios y monstruos del abismo.

“Quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, también éste mira dentro de ti”

Para quienes no hayan seguido la historia de Made in Abyss en manga, ver algunos detalles sobre este anime recientemente estrenado probablemente les recuerde a algunos juegos de exploración o les brinde cierta sensación de ver un RPG de mazmorras y calabozos (similares a Wizardry, Etrian Odyssey, Kings Field, o en un caso más alejado, Pokemon Mystery Dungeon). Hasta cierto punto, se puede decir que Made in Abyss bebe mucho de los conceptos de exploración de estos juegos, pero aprovecha lo mejor de ese género y lo combina con un estilo de animación digno de los mejores elementos del estudio Ghibli, una banda sonora immersiva, y una trama adulta que contrasta con su diseño, para dar como resultado lo que puede ser uno de las mejores series de esta temporada.

El primer capítulo nos introduce de lleno en el ambiente de Exploración, con la conversación entre Riko y Nat respecto a la búsqueda de reliquias y el valor que el descubrimiento de estas representa para el grupo del cual forman parte (los silbatos rojos). A primera vista parece una ambientación (hermosamente detallada) de una serie más de fantasía, hasta que, de forma gradual, se puede ver el detalle más relevante de esta serie en su esplendor; el abismo.

Los dos primeros capítulos han servido para brindar algunos detalles de la historia. Características del abismo, detalles de “La ciudad del gran abismo, Orth”, el orfanato, entre otros, siendo el mayor énfasis en las motivaciones de Riko y de Reg (personajes claves para la historia) sobre su interés por explorar el abismo.

Con la explicación brindada en el segundo capítulo sobre que involucra el abismo para la humanidad, las reglas determinadas por la sociedad para su exploración, y el peligro y las consecuencias “naturales” que ocasiona su descenso y, sobretodo, retorno, es cuando realmente se empieza a sentir el entorno intoxicante de exploración y misterio que Made in Abyss pretende ofrecer. Como si fuese una serie creada por Togashi (HunterXHunter, Yu yu Hakusho) y dirigida por Miyazaki, nos interpola las características de inocencia y tranquilidad representado en los personajes, con la crueldad y crudeza representada en las reglas de la naturaleza y de su sociedad; lo cual le da a la serie un atractivo particular, más allá del brillo existente en sus demás componentes.

No solo la premisa es llamativa, sino que el estudio Kinema Citrus ha decidido apostar fuerte por la calidad de esta serie. El staff de Made in Abyss tiene una cantidad importante de pesos pesados en la industria del anime, empezando por el director Kojima Masayuki (quién cuenta con experiencia cinematográfica). Además cuenta con muchos ex-miembros del  antiguo estudio Bones, el director de animación Kise Kazuchika (ex-Gainax) y el director de arte Masuyama Osamu, quién pasó gran parte de su carrera como director de arte para Miyazaki (probable razón de que identifiquemos esa vibra similar a un trabajo de Ghibli en este anime), y el compositor Ingles Kevin Penkin. En pocas palabras, es una serie prometedora con experiencia importante como apoyo, con un nivel de producción impresionantemente elegante, que engrandece uno de los elementos más importantes de la serie, como mencione en el inicio, que es el contraste entre lo visual y el contenido. Eso sí, como lector de manga, dejo como advertencia que este será un viaje oscuro para los espectadores.

Es bastante difícil resumir los conceptos que se tratan a lo largo de la historia actual de la serie, pero evitaré dar spoilers al respecto. Considerando que la temporada contará con un total de 13 capítulos, solo espero que la representación del viaje (o descenso en este caso) mantenga el ritmo y detalle del manga que adapta, ya que considero que parte de lo llamativo de Made in Abyss es la forma de contar y desgranar la historia, sin sobrecargar al lector de información y pero brindándole diversos elementos para distinguir a profundidad las características de los diferentes escenarios de los que está compuesto el abismo, lo cual también permite reconocer el peligro y exigencia que conlleva esta aventura.  Sin duda, Made in Abyss es una serie que dará mucho que hablar esta temporada.

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Mary y la flor de la bruja

Mary y la flor de la bruja

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Si bien Hayao Miyazaki es el nombre más representativo de los estudios Ghibli, no hay que olvidar que Ghibli ha sido hogar y escuela de muchos talentos que buscan alcanzar el nivel y habilidad demostrados por Miyazaki. Mary y la flor de la bruja es la más reciente prueba de ello. La nueva y primera cinta de anime del estudio Ponoc, fundado por Hirosama Yonebayashi (director de la última cinta de Ghibli hasta la fecha, When Marnie was there) y Yoshiaki Nishimura, y en cuyo staff se encuentran muchos antiguos empleados de Ghibli, consiste en la adaptación de novela de  fantasía infantil La pequeña escoba de Mary Stewart, y busca combinar de la mejor manera la escencia y encanto del estilo ya clásico de Ghibli, con nuevas técnicas y propuestas que a la vez le dan a esta película una apariencia actualizada y moderna.

Datos de la película

  •  Título: Mary y la flor de la Bruja (メアリと魔女の花)
  • Géneros: Aventura, Magia, Fantasía
  • Categoría: PG -13
  • Fecha de estreno: 8 de Julio de 2017 (Japón)
  • Estudio: Studio Ponoc
  • Duración: 100 minutos

Opinión

Es bastante difícil ver muchas de las imágenes y adelantos de la película y no pensar inmediatamente que parece una película más del estudio Ghibli. No solo el estilo visual es bastante parecido al de este estudio (en parte gracias al trabajo de animación de antiguos trabajadores de Ghibli que ahora son parte del estudio Ponoc), sino que el aire de fantasía que brinda la película nos hace recordar a muchas de las películas ya catalogadas como clásicas que provinieron de este. La trama nos cuenta la vida de Mary, una niña que se muda recientemente al campo para vivir con su abuela, a quien le termina causando problemas debido al exceso de entusiasmo comunes en niños de su edad. Además de ello, sus esfuerzos se ven opacados por Peter, otro de los pocos niños de la villa, que siempre es reconocido y elogiado por los demás por ser alguien educado y maduro para su edad. Este nuevo estilo de vida hace pensar a Mary que su vida no tendrá nada de especial en el futuro.

Sin embargo, las cosas empiezan a cambiar cuando Mary se encuentra con un gato negro, que la guiará a través del bosque hacia una escoba de apariencia antigua y abandonada y a una misteriosa y brillante flor. Al recogerla, los poderes de la flor son liberados y propulsan de forma repentina la vieja escoba (y a Mary sobre esta) hacia el cielo y en dirección a una escuela de magia dedicada al entrenamiento de hechiceros, ubicada sobre las nubes. Al llegar, Mary se da cuenta de que la flor la ha transformado en una poderosa hechicera (aunque solo temporalmente), lo que llama la atención y la curiosidad de la profesora Mumblechook y el Doctor Dee, miembros de la escuela de hechicería. Sin embargo, no pasará mucho tiempo para que Mary descubra que mucho del entusiasmo e interés de los profesores está dirigido más a la flor mágica que a ella y que existen planes turbios para aprovecharse de su poder.

La película aprovecha muy bien el argumento simple y familiar para sacar a lucir los exponentes más renombrados en trabajos de animación; la calidad, detallo y mimo de la animación tradicional, con una muy buena banda sonora, factores que siempre han estado presentes en películas de la casa de Ghibli y de las cuales el estudio Ponoc se nutre mucho. Sin embargo, si bien la película tiene como uno de sus objetivos el representar los mejores trabajos realizados por el antiguo y reconocido estudio, también demuestra que no es resistente al cambio y que no piensa conformarse en una fórmula que funciona. Prueba de ello es la inclusión en su personal de nombres como Suguru Karube (director de 3D de Re:Zero), quien colaboró en esta película con técnicas de CGI y efectos digitales que se integran de manera muy sutil con el estilo de animación hecho a mano, que ayudaron a brindar una apariencia limpia y fluida a lo largo de cada escena.

Si bien la esta primera propuesta del estudio Ponoc no busca ser una obra atemporal, sí empieza a poner las cartas sobre la mesa, para indicar que es un estudio capaz de mucho más. Mary y la flor de la bruja tal vez tenga como debilidad la falta de extensión en su historia, considerando lo extenso y rico en detalles que puede llegar a ser un mundo de hechicería, pero se apoya bastante en los detalles visuales para hacer sentir al espectador la sensación del mundo de fantasía. Basta con ver los escenarios recreados llenos de vida, que capturan perfectamente la apariencia y sensación desde sitios como las praderas inglesas, hasta la representación del colegio Endor. Tanto ha sido el esfuerzo puesto en la animación, que incluso algunos de los fondos fueron realizados en colaboración con el estudio Pablo, famoso estudio de arte en la industria por sus paisajes pintados a mano de manera meticulosa.

Conclusión

En general, Mary y la flor de la bruja termina siendo un esfuerzo bastante notable de un estudio recientemente formado y un filme de fantasía bastante sólido por cuenta propia. Es cierto que la película busca ser muy fiel al libro (sin tratar de mejorar o profundizar en la historia), pero cuando cada escena está tan cuidadosamente elaborada como en esta película, hace difícil encontrar mucho de que disgustarse. Es de admirar el gran trabajo realizado por Yonebayashi para dirigir y saber capturar la calidad y naturaleza de las obras de fantasía, apoyado por su grupo y los años de experiencia y cariño vividos en el estudio Ghibli, lo cual es para mí razón suficiente de darle una oportunidad a esta película.

Aun así, considero que definitivamente hay mucho potencial en el estudio Ponoc para labrar una imagen más propia y característica, considerando el talento (tanto el ya formado como el nuevo) que ha estado presente en la producción de esta cinta. El grupo liderado por Yonebayashi ya ha demostrado que puede brindar trabajos mucho más innovadores, pero esta ha sido una buena oportunidad para brindar honor a quienes los formaron. Estaremos a la expectativa de lo siguiente que nos brindará el estudio Ponoc; posiblemente un estudio del que oiremos bastante en los siguientes años.

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Temporada 2017 – Uchouten Kazoku 2

Temporada 2017 – Uchouten Kazoku 2

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

En un Kyoto moderno, la vida diaria ha encontrado nuevos inquilinos. Además de los humanos presentes en las ciudades, los tanuki (mapaches) rondan la tierra y los tengu surcan los cielos. En su intento por adaptarse a la sociedad, la familia Shimogamo, una familia de tanukis con la habilidad de transformarse en lo que deseen, busca mantener un balance entre sus relaciones actuales, sus problemas del pasado, su estilo de vida y, sobre todo, sus intentos por evitar terminar en una olla como parte de una cena. Basada en la novela japonesa escrita por Tomihiko Morimi, las aventuras de la familia de Tadasu no Mori tienen un nuevo rumbo esta temporada, con la sorpresiva visita del desaparecido hijo del profesor Akadama.

Para aquellos que no hayan visto la primera temporada de Uchouten Kazoku, el resumen de la historia puede resultar bastante particular. Tal como indica el nombre, la serie tiene un punto de excentricidad y peculiaridad bastante alto, lo cual puede dificultar la idea de darle una oportunidad a la serie. Pero el ritmo, la armonía, y el estilo inusual de los personajes, la ambientación y la historia, dieron como resultado una primera temporada bastante divertida, con más que suficientes razones para esperar con ganas esta segunda temporada. Una serie que hasta ahora ha adaptado de manera respetable los detalles de la novela, con el estilo propio y trabajado del estudio P.A Works.

Y si hay algo imprescindible de esta serie (fuera de que en particular, me gusta bastante su humor y estilo), es el poder apreciar la magnífica forma de representar los diferentes aspectos de la ciudad de Kyoto, con la capacidad de brindarnos la sensación de estar en las diferentes ubicaciones que se pueden apreciar; desde los imponentes y elegantes templos, atravesando los paisajes de los suburbios, hasta las concurridas calles de la ciudad. Un armonioso espectáculo visual, que a pesar de todo, es solo un elemento complementario de la serie.

Entrando ya a lo que es esta nueva temporada de Uchouten Kazoku, de manera similar a las continuaciones de otras series, el primer capítulo ha servido para reintroducir a los espectadores nuevamente en la historia (necesario en mi opinión, considerando que la primera temporada se estrenó hace 4 años), para luego mostrarnos que es lo que ha pasado con la familia Shimogamo, luego de los eventos que cerraron la primera temporada. Yasaburo continua cuidando de Akadama-sensei, Beten continua con su prolongada ausencia, Yaichiro aún busca llegara ser Nise-emon (o líder de los Tanuki), Yashiro sigue inmerso en sus libros, y Yajiro sigue siendo una rana en el pozo. Este habitual y absurdo ritmo de vida pronto se ve alterado con la llegada de Nidaime, el hijo exiliado de Akadama, el cual pone en cuestionamiento la tradición y actual identidad de Tengu adoptada por su padre.

Como parte del estilo de la serie, cada episodio busca abarcar diferentes historias y situaciones, al más puro estilo slice-of-life. Si bien, puede dar la sensación de que entre los capítulos en si no se tenga una dirección específica para la historia, de forma similar que en la primera temporada, los detalles y eventos poco a poco se van apilando, para atar la mayoría de cabos en capítulos específicos, de manera elegante y sutil. Un objetivo a veces muy difícil de realizar, sobre todo con la cantidad de personajes que se introducen constantemente en la historia, y el protagonismo o desarrollo que requieren para ser relevantes a la historia. En Uchouten Kazoku no se sigue una fórmula específica en la narración de los capítulos, lo cual inicialmente puede parecer algo caótico, aún más si se considera el ritmo pausado que se utiliza para pulir los detalles. Pero es lo que hace entretenido cada capítulo, y cuando se terminan de unir todos los eventos, es lo que hace tan satisfactorio el haber seguido la serie; es más, hasta incentiva a regresar a algunos capítulos para entender la sucesión de eventos que llevan a ciertos desenlaces. Y es que lo mejor que sabe hacer esta serie es pasar tan naturalmente de situaciones emocionales a un ambiente tranquilo y de introspección.

Es bastante difícil poder resumir lo que transmite esta serie, pero es una experiencia que realmente recomiendo. Eso sí, considero que para entender que es lo que realmente ofrece Uchouten Kazoku 2, es necesario haber visto la primera temporada (en especial por el tipo de serie que es y la experiencia distinta que ofrece). Si te han gustado series como Mushishi, Tamako Market, Tatami Galaxy o Arakawa unde the bridge, esta es sin duda una de las series que recomiendo por ver. De no ser el caso, como mencioné inicialmente, siempre se le puede dar una oportunidad para dejarse cautivar por los impresionantes escenarios de Kyoto.

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Temporada 2017 – Boku no Hero Academia Season 2

Temporada 2017 – Boku no Hero Academia Season 2

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

La tan esperada segunda temporada de la serie de superhéroes de la Jump y otro gran ejemplo de que las adaptaciones cortas para series de larga duración son una muy buena opción para mantener la calidad y el ritmo de una historia a niveles muy altos. A pesar de la espera de un año, Boku no Hero Academia, de la mano del estudio Bones, viene a demostrar que las segundas temporadas pueden ser superiores y que los poderes, los retos, la espectacularidad y las emociones pueden sobrepasar las expectativas. ¡Plus Ultra!

Boku no Hero Academia es una de los exponentes “recientes” de la Shonen Jump, que ha tenido que enfrentarse a uno de los retos más grandes que se le puede presentar a cualquier serie: llenar el espacio de popularidad ocupado previamente por series como Bleach y Naruto (este último principalmente en la revista antes que en el anime). Y ha sabido enfrentar el desafío con cualidades bastante interesantes. BnH combina la ambientación de los comics americanos con las personalidades e historias recurrentes en las series japonesas, con una trama bastante directa, con dotes de exageración y espectacularidad, que permiten que cualquiera pueda disfrutar y engancharse a la serie rápidamente.

Si bien considero que adaptar series de larga duración en temporadas es una mejor opción que el ritmo constante, es una opción que puede presentar el riesgo de perder la popularidad que una serie consigue en su primera temporada. En este caso, el lapso de un año no parece haber representado problemas, y para recuperar el paso de la historia, el primer capítulo de esta nueva temporada es una recopilación rápida de la temporada 1.

Y entrando de lleno a la segunda temporada, que tendrá un total de 25 episodios, empezamos con el arco del festival deportivo, en el que los prospectos de héroes buscan demostrar el mejor nivel de sus habilidades y capacidades en diferentes competiciones, para mostrarse al mundo y ser reconocidos por los héroes profesionales. Para nuestro protagonista, Izuku (o Deku) será la oportunidad perfecta para demostrar que es el digno sucesor de All Might, pero para ello deberá sobreponerse a la presión sobrepasar a sus principales competidores, Bakugou (rival de la infancia) y Todoroki (hijo de Enji Todoroki (más conocido como Endeavor) y uno de los llamados a superar a All Might.

Puede que pasar a un arco de competencia no tenga el mismo peso argumental o emocional que se presentaron durante la invasión de la Liga de Villanos, pero le permite a la serie presentar nuevos personajes (como las otras clases), así como profundizar en los secundarios y en los efectos producidos en los ciudadanos regulares por los últimos sucesos ocurridos, y que atentan contra la seguridad a la que solían estar acostumbrados por la presencia constante de All Might.

Lo interesante del festival, es que consisten no solo en enfrentamientos, sino en diferentes competencias que permitirán demostrar el uso creativo de los poderes y la habilidad de cooperar con nuevos compañeros; comenzando por la carrera de obstáculos (que trae algunos elementos de los exámenes de ingreso), y pasando por la batalla de caballería.

Y como he resaltado a lo largo de esta entrada, lo que más se puede resaltar de Boku no Hero Academia son las expresiones y sensación de espectacularidad que desborda, y que Bones ha sabido cumplir con creces hasta ahora. Una animación bastante fluida que acompaña en las escenas caóticas y de acción, con efectos bastante espectaculares a lo largo de las competencias, resaltando los poderes de cada personaje al máximo, y con un ritmo que permite disfrutar de cada escena sin que se sienta que los eventos se han alargado innecesariamente (un mal que suelen padecer series de ritmo semanal y que se acercan a la última publicación del manga que adaptan). Por otra parte, si bien el Opening y el ending de esta temporada no han sido lo que esperaba, el soundtrack está siendo un complemento perfecto para la animación, con Yuki Hayashi nuevamente como compositor (y quien participó anteriormente en Haikyuu).

Habiendo sobrepasado la tercera parte de esta temporada, queda disfrutar del final del torneo y del festival, quedando pendiente la batalla entre Todoroki e Izuku para definir a otro de los semifinalistas del torneo. ¿Podrá la fuerza Herculeana de Izuku sobreponerse al frío absoluto de Todoroki? ¿Logrará Izuku cumplir con las expectativas de All Might? ¿Qué depara el destino para nuestros aspirantes a héroes luego del festival? Nos quedan 15 episodios por delante y probablemente un arco adicional muy interesante para disfrutar. ¡¡¡Plus Ultra!!!

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Koe no Katachi: Una voz silenciosa

Koe no Katachi: Una voz silenciosa

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Muchos problemas en las relaciones (familia, amistades, compañeros) se dan por que las personas no suelen darse a entender o no son comprendidas de la forma en que uno quisiera. Inconformidades, asperezas e incluso odio pueden ser el resultado de un malentendido, de una palabra dicha en el momento incorrecto o de callar lo que realmente se siente. Cobra aún más relevancia entre los niños ya que cuando suelen expresarse, lo hacen con pocas restricciones o consideraciones respecto a lo que dicen. En este contexto, Shoko Nishimiya busca integrarse a una nueva escuela y ser aceptada por sus compañeros, pero deberá enfrentarse a la brecha que ha creado la pérdida de su capacidad auditiva. ¿Estarán sus compañeros dispuestos a entenderla y apoyarla? ¿Tendrá Shoko la fuerza y tenacidad para también entender a sus compañeros? Solo a través de un camino de experiencias es que uno empieza a comprender el verdadero poder de nuestras voces y lo importante que es no solo hacerse entender, sino también comprender a quien se comunica con nosotros.

Datos de la serie

  • Título: Una voz silenciosa (聲の形)
  • Géneros: Drama, Slice of Life
  • Categoría: PG – 13
  • Duración: 2 horas y 10 minutos
  • Estudio: Kyoto Animation

Manga

  • Autor: Yoshitoki Oima
  • Episodios: 62 (Agosto 2013 – Noviembre 2014)

Opinión

Por lo general, son muy pocas las series que identifico como buenas adaptaciones, no por el hecho de que se recorten partes (personajes, sucesos, etc.) del manga, sino porque no llegan a transmitir las mismas sensaciones que la obra de origen, lo cual me daba cierta desconfianza cuando se anunció la producción de la película a cargo del estudio Kyoto Animation, ya que sería el primero trabajo de Naoko Yamada que no se haya basado de un anime (como el caso previo de K-on!). Pero luego de tener la oportunidad de disfrutar la película en nuestras salas de cine, debo decir que he quedado más que complacido con el trabajo realizado para representar las sensaciones y emociones de la historia. Desde la introducción de la vida de Shoya Ishida (personaje principal de la película), cuyos actos de lucha contra la rutina se ven interrumpidos por la llegada de Nishimiya a su escuela, hasta el largo camino de redención que debe atravesar por el acoso y tormento causado a su nueva compañera, Kyoto Animation utiliza de la mejor manera los recursos cinematográficos para no solo hacernos entender, sino sentir las consecuencias que traen los eventos transcurridos en la escuela, en la vida de Shoya y en la de sus demás compañeros. Desde mi punto de vista, brinda una interesante perspectiva para determinar quiénes son participes o involucrados en un acto de bullying en la escuela, el cual es todavía un problema que no se trata con la relevancia que corresponde.

Uno de los puntos más interesantes de la película (que no es tan marcada en el manga) es que centra más la historia desde la perspectiva del acosador por sobre la víctima; una apuesta tan bien llevada que solo en retrospectiva uno cae en cuenta de lo que permite aportar a la historia, desde las metáforas visuales y los gestos de los personajes, hasta las tomas que acompañan cada escena. Si bien Koe no Katachi abarca el problema del bullying, busca hacerlo desde un tono más realista y no excesivamente dramático, complementando los momentos lúgubres y tristes, con situaciones más relajadas y alegres (desde la perspectiva del resto de los niños de la escuela), y otras de contemplación o cuestionamiento.

La cinta puede lograr este balance en parte a que no se centra en el tema del acoso, sino que lo usa como medio para abordar las voces silenciosas que quedan como consecuencia; las experiencias de quienes buscan sobreponerse, de quienes buscan olvidar y de quienes buscan redimirse dan una sensación única a la película, y son el eje para los que la película busca transmitir las consecuencias (tanto las fácilmente visibles como las que muchas veces son ignoradas) que se derivan de este tema.

Respecto al elenco de personajes, lamentablemente sufren las consecuencias de que la adaptación se haya realizado en una película en lugar de una serie, con lo cual no hay suficiente tiempo de abordar a cada uno en profundidad. Si eres de quienes no han tenido la oportunidad de leer el manga antes de ver la película, tal vez no lo percibas como un punto en contra, ya que en realidad se han representado de forma más que aceptable las personalidades de Nagatsuka, Ueno, Sahara, Kawai, Mashima, y sobretodo Yuzuru. Sin embargo, considero que hay escenas del manga que habrían enriquecido aún más el resultado final de la película.

Además de complementar las interacciones y relaciones de Nishimiya e Ishida para representar las secuelas que ambos han adquirido por los diversos sucesos, el abordaje de los personajes en la película permite identificarse con los problemas o situaciones que cada uno de ellos atraviesa, de manera que muchas escenas generan una mayor empatía o sufrimiento, al sentir que son experiencias que realmente cualquier persona podría tener.

Pero lo que más resalta del trabajo realizado por Kyoto Animation es la producción. En el apartado artístico y visual, si bien tiene el estilo característico del estudio, se muestra una animación fluida y cuidada hasta en los más pequeños detalles. Desde el excelente manejo de la iluminación (que le da vida a los fondos) hasta el uso de determinados recursos (simbolismos, secuencias, gestos, etc.) se demuestra el esfuerzo realizado por el estudio para hacer de esta experiencia lo más natural posible. De igual forma, el apartado musical refuerza de manera brillante la narrativa, ya que más que ambientar, se vuelve un medio en sí mismo para expresar las ideas y emociones de la película. Si bien no se presentan tantas ambientaciones de impacto en las que la música o el sonido de fondo tomen el papel principal, se aprecia bastante el juego entre los silencios y la música, sobre todo por la cantidad de escenas que no buscan transmitir los sentimientos de los personajes mediante diálogos exclusivamente.

En una segunda revisión, se aprecia aún más la experiencia presente en el sonido. Desde el uso del piano en las escenas de ansiedad, la fuerza en los pasos para representar las emociones de los personajes, las melodías dulces o melancólicas para dar peso a las escenas, hasta los efectos de amortiguación o difusión en las voces para representar las dudas de los personajes. Koe no Katachi nos hace sentir el peso de cada movimiento y de cada contacto a través del sonido, dándole una gravedad aún mayor a las acciones sobre las palabras. Un esfuerzo que si bien puede pasar desapercibido, es la mejor forma de transmitir el mensaje de la película: que hay muchas formas de transmitir las intenciones y emociones, que incluso una voz silenciosa puede hacerse entender.

Conclusión

Tal vez Koe no Katachi no llegue a tener la misma repercusión que Kimi no Na wa, pero definitivamente es una película que valoro al mismo o hasta mayor nivel, en especial porque me parece una propuesta más arriesgada.  La manera en la que se nos permite conocer, de una manera muy humana, las consecuencias de un problema tan predominante como el bullying acompañada de la increíble animación y apartado visual, combinado con su fabuloso apartado sonoro, la convierten en una de las experiencias más gratas que he tenido en el cine. Espero que la buena acogida que tuvo su paso por nuestra cartelera sea un indicativo de que se seguirá apoyando este tipo de películas, y por el lado de los espectadores interesados en el anime, se continúe asistiendo a la proyección de estas para demostrar que hay interés en este tipo de apuestas. Sin importar si eres fan o no del anime, recomiendo que le des una oportunidad a la película, ya que es entretenida a muchísimos niveles; un viaje visual y sonoro muy agradable, y una trama con una buena cantidad de mensajes y reflexiones. Y si te quedas con ganas de conocer más sobre el resto de personajes, leer el manga enriquecerá la experiencia. Sin dudarlo, pienso que Koe no Katachi no dejará indiferente a nadie.

 

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Shingeki no Bahamut: Virgin Soul

Temporada 2017 – Shingeki no Bahamut: Virgin Soul

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Otra de las continuaciones de esta temporada es la segunda parte de Shingeki no Bahamut: Virgin Soul, la cual es una serie que esperaba con anticipación inicialmente, pero de la que empecé a tener dudas cuando se anunció la trama que iba a tener. Y es que Génesis, que supo adaptar la sensación de una aventura extraordinaria ambientada en el juego de cartas de Cygames, dejo un listón bastante alto de la mano de Favaro como personaje principal.

No es solo que esta nueva parte transcurra 10 años después desde que el mundo logró evitar su completa destrucción debido a la resurrección de Bahamut, sino que la dinámica de la serie y la perspectiva que se nos brinda a través de Nina, la nueva protagonista, es diferente de la que se vio en la primera parte. Los humanos, de la parte de su nuevo rey, han iniciado el conflicto con los dioses y demonios; demonios y esclavos se han convertido en la clave para la restauración de la sociedad, y los dioses han empezado a perder seguidores, por ende, sus poderes. En este nuevo amanecer en el que se ha perdido el orden de las cosas, el significado de justicia se verá distorsionado.

¿Qué es lo que ha acontecido en el mundo durante esos 10 años? Kaisar ha sido promovido a capitán de los Caballeros Orlean, Baco (o Bacchus) sigue guiando a los cazadores de recompensas, Favaro está no habido, Azazel mantiene su odio por la humanidad y Rita trabaja en la capital en oculto como una doctora que atiende a cualquier paciente sin distinciones.

Y ahora tenemos la historia de Nina Drango (la protagonista a la que podríamos definir como una bomba de tiempo, ya que en ciertas circunstancias llega a perder el control y termina transformada en un dragón incontrolable), quien ha llegado a la gran ciudad para hacerse una vida como caza recompensas. Es el cambio de protagonista lo que me generó dudas antes del estreno de la nueva temporada, y siendo sincero, también durante los primeros episodios, pero la evolución en su personaje, además de su personalidad rara y a veces ingenua, le han dado un estilo propio y llamativo a la serie, que si bien se aleja de la esencia de la primera parte, está demostrando ser de igual o hasta mejor nivel. En ese aspecto, la apuesta de los estudios MAPPA parece que será un éxito.

Se ha profundizado más en la temática de lo que conlleva la coexistencia entre las diferentes razas; el odio, la esclavitud, las rebeliones y los conflictos internos de cada personaje para determinar el verdadero significado de justicia se van desarrollando en cada episodio. La animación sigue viéndose espectacular, con una mejor integración del CGI, escenarios más detallados y buena cinematografía. Los efectos de sonido y el soundtrack siguen siendo de muy buena calidad, aunque los gustos sí pueden variar en lo que respecta al opening y al ending de la serie.

Si bien es cierto que Virgin Soul no tiene ese inicio tan impresionante y explosivo con el que sí contó Génesis, con los elementos que ya se han incluido, tiene un mayor potencial, considerando también que la serie contará con 24 capítulos.

Sin duda, uno de los animes más interesantes y más trabajados de esta temporada. Para aquellos interesados en una historia de fantasía, recomiendo que empiecen por la primera temporada para continuar con Virgin Soul. Y para los que ya vieron la primera temporada, no creo que sea necesario recomendar la serie. Después de todo esto, solo queda una pregunta muy importante, ¿dónde está Favaro?

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Sakura Quest

Temporada 2017 – Sakura Quest

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

 Si bien hay series de esta temporada que ya tienen una base de seguidores ya formada por ser adaptaciones o continuaciones (como es el caso de Shingeki no Kyojin, Boku no Hero Academia, y en menor medida, Shingeki no Bahamut), y que son a primera vista más llamativas por la cantidad de acción, dinamismo y espectacularidad que ofrecen, he intentado dar un vistazo a la mayoría de series estrenadas, buscando disfrutar de otros géneros de la animación japonesa.

Tal es el caso de Sakura Quest, la nueva producción original de los estudios P.A Works, encargado anteriormente de series como Angel Beats!, Shirobako y Uchouten Kazoku (personalmente, una de mis esperadas esta temporada), y que apuesta por enfocarse en el tema del turismo en Japón y las dificultades que se presentan, sobre todo en las áreas rurales del país.

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En Sakura Quest se nos cuenta la historia de un grupo de cinco mujeres que, por diferentes circunstancias, terminan trabajando como las “monarcas” (o embajadoras) en la oficina de turismo de un pueblo rural modesto, para tratar de reavivar el interés y la industria de la región que está quedando olvidada con el paso del tiempo. Para ello, deberán buscar diversas formas de demostrar las cualidades y características únicas de la región, que les permita sobrevivir a los constantes cambios en la industria del turismo con el paso del tiempo.

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La serie sigue un ritmo y fórmula similar al de las series Shirobako y Hanasaku Iroka (del mismo estudio), por lo que se puede esperar una serie tranquila, amena y reconfortante; a la vez que bastante buena (en lo que van los capítulos) para poder conocer y entender otros aspectos del país del sol naciente. Ya desde el primer capítulo, se puede apreciar lo bien trabajada que ha sido la adaptación de la ambientación rural japonesa, con unos fondos bastante detallados y coloridos, y la forma interesante de mostrar los diversos puntos de vista de lo que implica adaptar las costumbres a los tiempos actuales; el debate entre la pasión por lo tradicional enfrentándose al cambio e integración con lo moderno.Sakura Quest3

Cabe aclarar que la serie tiene un buen balance entre la comedia y la seriedad que involucra el tema del turismo. El ritmo de cada capítulo es bastante ágil (siendo de algunos eventos autoconclusivos) y agradable de seguir. Tal vez lo más difícil de llevar de Sakura Quest sea la impresión inicial de los personajes principales ya que son personalidades bastante vistas en muchas series,  pero eso va cambiando de a pocos con el avance de cada capítulo, lo que permite apreciar mejor la influencia que tiene la gran responsabilidad de su papel de “monarcas” en nuestro grupo de protagonistas.

Como mencione inicialmente, lo más llamativo de la serie es la puesta en escena en cada capítulo de las nuevas ideas que se proponen para generar atención en la ciudad, y como estas propuestas son o no aceptadas por las diferentes partes de la comunidad, logrando muchas veces que podamos sentirnos parte del dilema, sin poder darle por completo la razón a alguna de las partes ni poder tomar una decisión que agrade a todos.

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Esperemos que P.A Works siga llevando la serie a mejor en lo será una duración de 25 capitulos, y mantenga o mejore la calidad lograda en Shirobako; sin duda, considero que han tenido un buen punto de partida. Si te gustan series del estilo de Barakamon o Shirobako, y en especial si tienes interés de conocer más facetas de la vida en Japón que no suelen mostrarse en otras series, recomiendo que le des a este nuevo proyecto una oportunidad.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Shingeki no Kyojin

Temporada 2017 – Shingeki no Kyojin

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Luego de cuatro años de espera, la adaptación de Shingeki no Kyojin vuelve de la mano del estudio Wit, con la consigna de elevar su popularidad aún más que antes. Si bien el tiempo de espera para la nueva temporada es considerable (en especial si se toma en cuenta que solo tendrá 12 episodios, por temas de capacidad y asignaciones), el primer capítulo nos indica que estamos ante una adaptación que tendrá la misma calidad, si no mejor, que la que pudimos disfrutar en el 2013.

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En realidad, basta con revisar uno de los capítulos anteriores, para darse cuenta que, si bien es una serie visualmente buena, el nivel de animación mostrado en este primer capítulo lleva el detalle y trabajo a un mayor nivel (incluyendo el opening), de la mano del nuevo director Masashi Koizuka, quien participó anteriormente en Owari no Seraph.

Respecto al episodio en sí, si bien el ritmo es algo lento, se dan varios acontecimientos importantes para lo que va a ser la trama a futuro (sin dar spoilers para los que solo siguen el anime). Inicia con un resumen de los últimos sucesos de la primera temporada, para enfocarse en el descubrimiento de los titanes dentro de las paredes, y las posibilidades de conspiraciones internas, con el Pastor Nick y otros miembros del culto posiblemente involucrados.

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Gran parte del episodio se centra en el elenco de personajes secundarios, en el que se nos muestra los horrores que se vivirán dentro de las murallas, al darse un nuevo ataque que presenta un nuevo tipo de titán, con una apariencia más bestial que el resto. La escuadra deberá separarse para poder sobrevivir al ataque, siendo el comandante Mike (uno de los mejores combatientes, solo por debajo del capitán Levi) quien decida ganar tiempo para proteger a sus congéneres y que puedan anunciar sobre el peligro que se acerca a la ciudad.

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El enfrentamiento es sin duda la parte más atractiva del episodio (y el soundtrack que acompaña cada escena), hasta que llegamos a ver al nuevo titán, denominado Titán Bestia, en acción. Si bien su fuerza se convierte en el mayor obstáculo para el comandante, la parte más estremecedora se da cuando el titán demuestra que tiene capacidades cognitivas al nivel de los humanos, al destruir cualquier posibilidad de escape de Mike e intimidándolo para poder obtener información de sus armas.

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Sin duda el capítulo ha sido una buena reanudación de la serie, poniendo nuevos enigmas sobre la mesa y un nuevo enemigo a enfrentar (del cual Eren y compañía no tienen conocimiento aún). ¿Qué tan lejos llegara el nuevo ataque de los titanes? ¿Se descubrirá el origen de esta nueva especie de titán? ¿Se explicará la verdad sobre la construcción de los muros? Esperemos que el ritmo en los 11 capítulos que nos quedan sea el adecuado para disfrutar al máximo de esta segunda temporada y que no tengamos que esperar tanto tiempo para la tercera.

Queda como advertencia para quienes aún no se animan a seguir el manga que el ending de esta temporada será clave para el futuro.

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Yuri!!! on Ice, historia sobre hielo

Yuri!!! on Ice, historia sobre hielo

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

A veces solo basta con un mal día, un mal momento para que meses, años de preparación, de esfuerzo para lograr un sueño se hagan pedazos. Pero, ¿debe una cadena de infortunios ser una razón para detenerse? ¿Es factible volver a levantarse luego de darse cuenta de que muchas de las cosas que anhelabas no estaban a tu alcance? Para Yuri Katsuki, un patinador artístico poco conocido, con el sueño de triunfar en el Grand Prix Final y representar a su país, fallar no es una opción. Pero cuando la misma exigencia que te impones hace que los nervios y la inseguridad se apoderen de ti, el resultado puede ser desastroso. No solo es el hecho de no demostrar cuánto te preparaste, sino el pensar que ni siquiera ha sido suficiente, lo cual, en el caso de Yuri, al quedar en el último lugar de la competencia y ver que el resto de competidores no lo tenían en cuenta, lo llevará a replantearse si vale o no la pena que se dedique al patinaje sobre hielo.YOI1

Datos de la serie
Título: Yuri!!! On Ice (ユーリ!!! on ICE)
Géneros: Comedia, Deporte, Slice of Life
Categoría: PG – 13
Episodios: 12 (Octubre 2016 – Diciembre 2016)
Estudio: Mappa

Opinión

Si algo se debe reconocer a Yuri!!! On Ice por sobre otras series que se estrenaron el año pasado, es que fue una propuesta hasta cierto punto arriesgada, sobre todo viniendo de un estudio como Mappa, que no tiene tanto recorrido en cantidad de series y no ha tenido un baluarte que haya hecho que el estudio sea más reconocido a nivel general (claro, hasta ahora). Para ser sincero, lo que me animó a iniciar este anime fue el deporte escogido como eje principal (patinaje sobre hielo), del cual el último recuerdo relaciona que tengo es de la animación Endless Night. Y estando detrás de la producción Sayo Yamamoto, quien participó anteriormente en Samurai Champloo, Space Dandy, Michiko to Hatchin (recomendada) y la película de Lupin III: Mine Fujiko to Iu Onna me hacían creer que el esfuerzo puesto en la serie sería de calidad.

Luego de la experiencia, debo decir que, si bien no es la serie de deportes que inicialmente esperaba, tiene elementos muy bien trabajados que justifican el hecho de que se haya establecido como una serie bastante reconocida a nivel mundial (al menos durante el año pasado y parte del presente), aunque probablemente no sean estos por los que la serie en si haya brillado, sino por la pareja protagonista.

Y sí, en realidad los personajes principales terminan siendo el centro de atención de Yuri!!! On Ice, situando a nuestro personaje principal Yuri Katsuki, en una nueva oportunidad de pelear por su sueño, de la mano (creo que nunca mejor expresado) de su nuevo entrenador y compañero, Victor Nikifov, estrella del patinaje ruso e ídolo de Yuri. A partir de esta nueva asociación se empieza a apreciar el arduo camino que conlleva el prepararse para una competencia de patinaje artístico, el recuperar la confianza perdida (por la parte de Yuri), y el aprender a ser un buen maestro.

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La diferencia inicial entre las personalidades de ambos, siendo Yuri inicialmente un pesimista de alto nivel con cierto grado de inseguridad y Victor siendo alguien bastante alegre pero a la vez dedicado y estricto, hace que la dinámica entre ambos brinde la mezcla de intervenciones cómicas adecuadas para balancear el dramatismo de las competiciones. Conforme se van enfrentando a estas, se va observando el crecimiento de ambos, así como el de su relación, la cual termina siendo la principal diferencia con otras series spokon (o de deportes). Yuri!!! On Ice es la primera serie (que no pertenezca a la categoría de yaoi) en la que se presenta una pareja homosexual como parte del elenco principal, sin necesidad de exagerar o satirizar la relación, lo cual, desde mi punto de vista, es una propuesta que debería llevarse con la misma naturalidad en otras oportunidades.

Por otro lado, lo que sí tiene en común con otros animes de deportes, es el elenco de competidores, entre los que sobresale el homónimo del personaje principal, Yuri Plisetsky, más conocido como Yurio, quien se nos presenta como un joven genio del patinaje artístico, con una personalidad explosiva, lo que termina siendo un arma de doble filo en su desempeño, y que será el rival que buscará llevar a Yuri (Katsuki) a valorar lo que es este deporte. Ya en menor medida, se encuentran Phichit Chulanont, promesa Tailandesa y gran amigo de Yuri; Jean-Jacques “J.J” Leroy, el joven de oro; Seung Gil Lee, el lobo solitario, entre otros, que también buscan luchar por ser reconocidos a nivel mundial.

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Si bien para muchas de las personas (principalmente el público femenino), el mejor exponente de la serie son los personajes, en mi opinión tanto el dibujo como el soundtrack de la serie son de lo más cuidado que se puede encontrar en la última temporada de animes del año que se fue. Bueno, tal vez no tanto la animación en sí, que en el primer capítulo se nos muestra de un nivel excelente, para luego tener oportunidades en las que parece la animación de Dragon Ball Super, sino por el nivel de detalle en el diseño de cada personaje, de los entornos o ubicaciones, y sobre todo, en las rutinas el vestuario utilizado en cada competencia. Valga mencionarlo, el patinador Kenji Miyamoto se encargó de coreografiar todas las rutinas para conciliar la idea de realismo que el anime pretendía con respecto al deporte; y segundo, la vestimenta de los patinadores estuvo a cargo de un diseñador especializado en confeccionar atuendos para verdaderos patinadores, factores con los que se aprecia el realismo que buscaban brindar al representar el deporte.

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Finalmente, en lo que al audio respecta, creo que el opening (History Maker) y el ending (You Only Live Once) son muy buenos cada uno en su propia forma. El OP porque representa de forma notable el arte y elegancia presentes en el patinaje sobre hielo (con cambios en la presentación) y con una letra acorde al mensaje de la serie; y el ending, que muestra en cierta forma como está influyendo la tecnología en el mundo del deporte y su difusión. Por la parte del sountrack, en especial para las competencias, se trabajó mucho en la variedad, grabando el sonido de patinaje en diferentes ubicaciones, para retratar la diferencia entre los sitios de competencia y hacer reconocibles de forma auditiva cada movimiento realizado en las coreografías. En pocas palabras, cada episodio tiene un diferente set de efectos de sonido, y para las competencias, diversas composiciones musicales, según el estilo del personaje. Una verdadera odisea de trabajo.

Conclusión

Tal vez Yuri!!! On Ice no termine siendo un exponente del género de deportes, pero la pareja principal no dejará indiferente a nadie (para bien o para mal). Creo que la corta cantidad de capítulos afecta el resultado final de la serie, en la que no se termina de profundizar en los elementos que nos presenta. No se consigue llegar a un buen balance entre la parte deportiva que involucran las competencias de patinaje y el crecimiento de Yuri y Victor; además de que no se termina de desarrollar el resto de los personajes (fuera de Yurio), que se muestran inicialmente como interesantes, pero no terminan de reflejarse como rivales a vencer. De todas formas, si tienes interés en conocer sobre el patinaje artístico, recomiendo mucho la serie, ya que muestra conceptos de las competencias, y el valor e implicancias de las presentaciones tanto en el programa corto como en el programa libre, para poder definir a los ganadores, con lo cual, si genera de forma más natural la sensación de incertidumbre respecto al desenlace de cada competencia.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

¡Bonus!
Por supuesto, el tema del rey JJ: