Temporada 2018 – Cardcaptor Sakura – Clear Hen

Temporada 2018 – Cardcaptor Sakura – Clear Hen

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Han pasado más de 17 años desde la conclusión oficial de la famosa serie (tanto en anime y manga) del estudio Clamp, Card Captor Sakura, que contaba la historia de Sakura Kinomoto, estudiante de cuarto grado que se ve introducida al mundo de la magia por Kerberos, al liberar accidentalmente unas criaturas mágicas que se encontraban selladas en un grupo de cartas, conocidas como las cartas Clow. Si bien, luego de concluida la serie, se produjeron algunas películas y un spin-off (Tsubasa Chronicles), no existían indicativos de que la historia principal, siguiendo la vida de Sakura Kinomoto, fuese a continuar (aunque siendo sincero, el final tanto del anime como del manga fue bastante satisfactorio).

Eso cambió el 3 de junio de 2016, cuando se anunció oficialmente el regreso de Sakura en una nueva saga, publicada en la revista Nakayoshi, bajo el nombre de Card Captor Sakura – Clear Hen. Si ya de por sí eran buenas noticias, fue mejor aun cuando poco después, se anunció que también se realizaría una adaptación al anime para el año 2018, con una OVA de prologo el 2017, que ayudaría a conectar los hechos de la serie original con la continuación.

Ha pasado el tiempo de espera, y este último fin de semana hemos podido disfrutar del primer capítulo de la adaptación a anime de las aventuras de Sakura, quien deberá alejarse nuevamente de su vida normal, ya que se presenta un nuevo incidente con las cartas que habían pasado a su posesión; las cartas se han vuelto transparentes y los seres mágicos que albergaban han desaparecido. A su vez, un ser misterioso se ha presentado constantemente en los sueños de Sakura. ¿Estarán asociados estos eventos? ¿Cuál es el objetivo de este personaje misterioso? Eventos que deberá afrontar mientras se adentra en su nueva vida de estudiante de secundaria, con la compañía de sus guardianes Kerberos (Kero) y Yue, su fiel amiga Tomoyo, y por supuesto, Li Syaoran, quién ha regresado de su viaje a Hong Kong.

Cardcaptor Sakura es una de esas series que muchas personas recuerdan con cariño por formar parte de su infancia (o juventud), por lo cual es bastante comprensible la expectativa que se ha generado por esta nueva adaptación. Más aún, cuando en el 2017 tuvimos la oportunidad de ver la OVA Cardcaptor Sakura: Clear Card-hen Prologue – Sakura to Futatsu no Kuma (o conocida simplemente como Sakura y los dos osos), que sirvió no solo como prólogo de esta nueva historia, sino también como un vistazo previo del esfuerzo que el estudio Madhouse ha volcado en esta adaptación. En ese sentido, Clear Card-Hen representa el crecimiento de Sakura Kinomoto, así como del mismo estudio Madhouse, que dio vida a la reconocida adaptación que finalizó el 2000.

Al menos ese es el sentimiento que me transmitió este primer capítulo, en el que la esencia y calidad de la serie más que mantenerse, incluso se ha superado con creces.

Y como para mantener esa sensación nostálgica y familiar, el capítulo nos da la bienvenida de la mano de Kero (o kerberos) y Spinel, con un pequeño y acelerado resumen de la serie original.

A pesar de ello, si como yo, quieres hacer un repaso de la serie, recomiendo dar una lectura al manga original (mucho más corto en comparación con su adaptación) y ver el último capítulo del anime del 2000, así como la reciente OVA. Cabe aclarar que mucho del material que era original del anime ha sido dejado de lado para mantenerse fiel a la mayor cantidad de detalles del manga actual (aunque a pesar de ello, se han cambiado algunos detalles en este primer capítulo).  Esto es probable que signifique un adiós para muchos personajes que se vieron en su momento (Meiling Li entre los más notorios, y muchas de las cartas vistas, ya que en el manga solo eran 52).

Respecto al argumento del arco actual, la historia nos sitúa en el primer día de Sakura Kinomoto (con la voz de Sakura Tange) en su nueva escuela, con la re-introducción de muchos personajes conocidos (como Touya, Yukito y Tomoyo), y con una sensación de normalidad que parece indicar  que sus actividades de maga de las cartas han quedado en el pasado.

Ya desde los primeros minutos, lo que más impresiona de esta continuación es lo bien que ha evolucionado a nivel de animación (en parte porque, como mencione, el mismo estudio también ha crecido en habilidades y capacidades).  Una mayor cantidad de detalles, mejor manejo de iluminación, inclusión del CGI y una mejora de diseño de personajes y escenarios hace que la experiencia sea bastante agradable. Claro, no llega al nivel tan alto que tuvo la OVA, pero considerando que Clear Card-Hen será una adaptación de 22 capítulos, el resultado es impecable.

Una de los más claros ejemplos de este crecimiento es la escena del reencuentro entre Sakura y Li, en el que todos esos factores acrecientan la emoción que los personajes transmiten en esa escena.

Li ha culminado sus actividades pendientes en Hong Kong, y ha regresado a Japón para quedarse de forma permanente. Considerando que en la OVA confesó sus sentimientos por Sakura, será interesante de ver la forma en que evoluciona esta relación a lo largo de la serie.

Es bastante fácil de notar que casi la mayor parte del casting original ha regresado para esta nueva entrega, junto con el director Asaka Morio. Considerando la cantidad de años que han pasado, revivir de esa forma una franquicia tiene sus ventajas y desventajas, pero por ahora el resultado ha sido beneficioso para la serie. De igual forma, también se puede sentir el crecimiento vivido por el equipo de trabajo a cargo de la adaptación; si bien Clear Card-Hen transmite la sensación de que la serie no ha estado en pausa por tantos años, también muestra que no es una serie que busca vivir de la nostalgia.

Desde el mejorado aspecto visual que ya mencione, en el que también se presenta el uso de una paleta de colores y tonalidades diferente al de la serie antigua, una estética más definida para mostrar el crecimiento de los personajes, hasta los cambios en los dispositivos utilizados por los personajes, son una muestra que la dirección de esta adaptación buscará ir más lejos que su predecesora.

La banda sonora también es otra área en la que no se han escatimado en esfuerzos. Las nuevas melodías acompañan de manera perfecta el ritmo de la serie, y adicionalmente se han adaptado de forma notable composiciones del soundtrack anterior (incluyendo la versión del primer opening para la escena del reencuentro entre Sakura y Li), lo que sí podría decirse que juega a favor del factor nostalgia.

Finalmente, considero que no hay mejor resumen del potencial de la serie que el nuevo opening CLEAR, cantado por Maaya Sakamoto (que tiene las partes más representativas de la vida mágica de Cardcaptor Sakura con una animación espectacular), y sobre todo el ending Jewerly, compuesto y cantado por Saori Hayami, que resulta en una hermosa armonía de animación y melodía que representa la candidez de los personajes principales, y que se ha convertido en uno de mis favoritos.

En pocas palabras, estoy más que satisfecho con este vistazo inicial de Clear Card-Hen; ha sido un viaje cálido y nostálgico a muchos recuerdos, sin que en ningún momento parezca un simple intento de aprovechar la popularidad de un nombre (sentimiento bastante opuesto al que me brindó Dragon Ball Super, por ejemplo). Si bien no fui uno de los más acérrimos seguidores de la serie en su tiempo, definitivamente es Clear Card-Hen es una serie que continuare viendo, y que de igual forma, recomiendo para aquellos que tenían dudas sobre esta nueva adaptación, y a aquellos que no se animaron a seguir la serie en su tiempo (claro, dando una leída al manga original en ese caso).

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – 3-gatsu no Lion Second Season

Temporada 2017 – 3-gatsu no Lion Second Season

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Las circunstancias que se presentan en nuestro camino varia de persona en persona, pero tomar lo mejor de ellas y afrontar las dificultades con un objetivo es lo que nos permite crecer y poder encontrar el lugar al que pertenecemos, un sitio al que siempre podemos volver para sonreír.

3-gatsu no Lion Second Season (March comes in like a Lion, como se conoce en inglés) continua con la historia de Rei Kiriyima, estudiante de secundaria, que vive de forma independiente, ya que perdió a su familia a temprana edad, y luego decidió separarse de su familia adoptiva por los problemas que se creaban por su presencia. Después de enfrentarse a muchas penas y caídas en su nueva vida, y ser rescatado de su prisión emocional por la calidez ofrecida por la familia Kawamoto, las cosas empiezan poco a poco a tomar un mejor rumbo.

Su carrera de jugador profesional de Shogi sigue siendo la actividad que demanda la mayor parte de su tiempo, pero sus objetivos han cambiado; ya no se trata solo de sobrevivir en ese mundo competitivo porque es lo único que tiene, sino que ahora representa un reto el mejorar de rango y mantenerse la expectativa creada por su auto proclamado rival y mejor amigo, Nikaidou Harunobu.

Pero aún queda mucho camino por recorrer, mucho por enfrentar y mucho por crecer; ¿podrá Rei mantener su nueva actitud? ¿O los problemas que aún rondan a su alrededor serán lo suficientemente fuertes para desmoronar todo lo que ha construido?

3-gatsu no Lion es una serie bastante especial para mí, ya que es un manga que ha sabido transmitirme muchas ideas y emociones de forma tan natural. Tal vez por eso era inicialmente reacio a la idea que la tan espera adaptación al anime haya finalmente recaído en el estudio Shaft, no por un tema de calidad y mimo (ya que ha producido algunas de mis series favoritas, como son las temporadas de Sayonara Zetsubou Sensei, las adaptaciones de Monogatari y Arakawa Under the Bridge), sino porque pensaba que la dirección excéntrica y particular de este estudio iba a contrastar mucho con la temática realista y reflexiva de la serie.

Siendo sincero, es algo a lo que me costó acostumbrarme en los primeros capítulos de la primera temporada, aun cuando es bastante notorio que el estudio decidió reservarse en muchos aspectos para poder retratar de la forma más fiel posible la serie original. Pero conforme seguía los capítulos de la primera parte, empecé a apreciar más el continuo esfuerzo del estudio por mejorar la adaptación, para ir a la par en calidad de la historia narrada.

Si bien 3-gatsu no Lion es una historia que tiene como foco principal el recorrido de Rei Kiriyima por el mundo competitivo del Shogi, cuyas partidas se buscan representar de forma detalla para el espectador, pero sin excederse en la duración (ya que en la vida real, las partidas pueden durar horas), tiene como componente más resaltante el constante desarrollo de los personajes. Es más, mientras más profundiza uno en la serie, se observa que el mundo del shogi es un reflejo casi alegórico de lo que significa buscar nuestro lugar en el mundo.

En ese aspecto, la primera temporada cubre los aspectos que involucran a una derrota, y lo difícil que puede ser las causas y las consecuencias de esta.  Para evitar revelar demasiado de la historia, en caso haya lectores interesados en empezar con la serie,  la primera temporada nos muestra la actitud de un Rei que hace poco decidió separarse de su familia adoptiva, y que ha decidido seguir un camino que no le genere remordimientos. Sin embargo, dejar de lado su actitud de auto aislamiento y frustración resulta un esfuerzo mayor de lo esperado, el cual llega a afectad su rendimiento en aquello que cree que es lo único que le queda en la vida, el Shogi.

Como mencioné inicialmente, la familia Kawamoto juega un papel fundamental en la inicial mejoría de Rei, pero aun con su apoyo, hay muchos aspectos y limitaciones de sí mismo que no podrá cambiar de la noche a la mañana. Entre ellos se incluye problemas de su pasado relacionados a su familia adoptiva, principalmente a su hermanastra Kyouko Kouda. Así, aventurándose a mejorar un paso a la vez, bajo la guía de quien puede considerarse el maestro de su grupo de estudio, Kei Shimada, y con el apoyo y empuje de su rival y amigo Harunobu Nikaidou, 3-gatsu no Lion dio paso a su segunda temporada.

Los capítulos de manga que tocan adaptar de por sí deberían ser un indicativo de que esta temporada puede ser incluso mejor que la primera, pero además, hasta donde he podido ver, la adaptación realizada por Shaft no ha hecho más que mejorar. Si bien mantiene su estilo marcado de animación, el estudio ha sabido equilibrarlo mejor para complementar la temática de la serie, sobre todo para esta parte de la historia, que es de mayor introspección del resto del elenco de personajes (además de Kiriyima), en especial de la segunda hermana de la familia Kawamoto, Hinata.

Por ahora, los primeros capítulos han servido para mostrar el continuo esfuerzo de Rei en lo que respecta a mejorar su vida escolar; ahora pertenece a un club de actividades en su escuela (aunque conformado en conjunto con los miembros del club de ciencias), y ha aprendido que depender de otros de implica aprovecharse de los demás, y que el también algo que puede ofrecer a las personas que le tienden una mano, como la familia Kawamoto.

Y más pronto de lo pensado, tendrá que esforzarse al máximo, ya que se presenta una nueva oportunidad de enfrentarse a su amigo y rival Nikaidou, en un posible encuentro oficial en el torneo de los novatos, en el que han prometido encontrarse en los finales. Pero no solo es su preparación para sus encuentros de shogi; Hinata empieza a tener problemas en su escuela, al haber defendido a una de sus amigas de los continuos abusos y molestias de los que era víctima. No solo ha perdido a su compañera, sino que ahora es ella el blanco de sus compañeras, lo cual la han llevado a aislarse del grupo. Rei buscará demostrar que su propio crecimiento puede ser de utilidad para apoyar a Hina, y darle la suficiente fortaleza para que pueda salir airosa de esa situación, aún si para ello debe ponerse a sí mismo en segundo plano.

No profundizaré mucho más sobre la serie. Creo que basta decir que será una de las mejores series de la temporada (en conjunto con la mencionada en la anterior reseña, La novia del hechicero), ya que no solo cuenta con un componente muy bueno de slice-of-life, que profundiza de forma muy natural en temas de depresión, auto-cuestionamiento e introspección, sino que todo está acompañado de una gran puesta en escena por parte del estudio Shaft, con una banda sonora y animación de la mejor calidad. En un solo capítulo es hasta común ver diferentes técnicas de animación para representar diferentes aspectos de la serie y de los personajes, y los nuevos opening y endings son, por decirlo de alguna forma, obras de arte. Desde mi punto de vista, me he quedado con las ganas de encuadrar muchas partes de ambos, ya que el detalle y la forma de reflejar el espirítu de la serie se han logrado de muy buena forma. En especial el opening, con la canción Flag wo Tateru de Yuki, es uno de mis favoritos de la temporada.

Finalmente, me queda recomendar la serie para aquellos que son amantes o seguidores de los slice-of-life, a quienes les haya gustado la anterior serie de Chika Umino, Honey and Clover, y para quienes tengan interés de ver una serie que muestra el mundo del shogi en su mayor expresión.

Y si realmente te quedas con las ganas de ver más de la serie cuando acabe la temporada, recomiendo iniciarla nuevamente con una lectura del manga, ya que hay detalles que de todas formas no se han podido plasmar como me hubiera imaginado, y que creo que valen mucho la pena disfrutar.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Mahoutsukai no Yome – Impresiones

Mahoutsukai no Yome – Impresiones

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Existen personas que nacen con características especiales, habilidades que las diferencias de los demás. Pero aquello que te hace especial, que debería considerarse una bendición, puede convertirse en un estigma, causado por el miedo a lo desconocido, a lo irracional. Es el terrible caso de Chise Hatori, una chica con la capacidad de ver seres sobrenaturales y de absorber magia de su ambiente. Una oportunidad de vivir un cuento de hadas, se convierte en una pesadilla al ser primero abandonada por su padre y hermano, y luego perder a su madre, quien decide suicidarse por no soportar la marginación a la que estaban expuestos por el comportamiento de Chise. Ante la temprana soledad, y el continuo rechazo de quienes la rodean, Chise se acerca al precipicio, llegando al punto de perder las ganas de vivir.

Debido a ello, se entrega a las manos de Seth Noel, personaje de una casa de subastas, para ser vendida al mejor postor. Esperando que su camino termine pronto, Chise se da cuenta que no se encuentra en una subasta normal, ya que no solo los demás “artículos” de la subasta son seres u objetos mágicos, sino que los presentes incluyen todo tipo de criaturas. Todos sorprendidos por la presencia de un “artículo” tan especial en la subasta, una Sleigh Beggy, una Niña de la Noche; todos con los ojos en Chise. ¿Qué significa este repentino interés de estas criaturas por ella? ¿Y qué le deparará el destino, al haber sido adquirida por un ser con apariencia de demonio?

Datos de la serie

  • Título: La esposa del hechicero (魔法使いの嫁 – Mahō Tsukai no Yome)
  • Géneros: Fantasía, Sobrenatural, Slice of Life, Shonen
  • Categoría: PG – 13 Adolescentes en adelante

Manga

  • Año: Noviembre del 2013 – Presente
  • Autor: Kore Yamazaki
  • Revista: Monthly Comic Blade (2013 – Septiembre 2014), Monthly Comic Garden (presente)
  • Género: Shonen
  • Volúmenes: 8

Anime

  • Estudio: Wit Studio
  • Año: Octubre, 2017 – Presente
  • Episodios: 24
  • Ova: The Ancient Magus Bride – Those awaiting a star (3 episodios)

Si bien el anime de La novia del hechicero se ha estrenado el mes pasado, es una serie que seguía desde hace tiempo, y de la cual me alegre que se anunciara su paso a la pantalla chica tiempo atrás, aunque en un inicio fue únicamente para indicar que sería una OVA de tres capítulos y que no era material relacionado a la historia original.  Bajo el título de Hoshi matsu hito (aquellos que esperan una estrella), las OVAS se situación en una parte ya avanzada de la historia original, para luego viajar a los recuerdos de Chise y conocer más de las desventuras y penurias por las que paso durante su infancia, luego de perder a su familia, y pasar a vivir con parientes lejanos.

Con una ambientación más dramática y reflexiva que la historia original, y con secuencias audiovisuales de la calidad de proyecciones cinematográficas, las OVAs sirven bastante como introducción a las vivencias de Chise y Elias, y entender las circunstancias por las que Chise termina perdiendo el deseo de proteger su vida. Si bien esta precuela, al ser material original puede sufrir el estigma de no estar al nivel de la “verdadera” serie, adapta de muy buena forma el mundo creado por Yamazaki, y (en mi opinión) puede considerarse una muy buena obra por cuenta propia. Tal vez la historia no requería de una precuela, pero “Hoshi Matsu Hito” enriquece mucho la experiencia de disfrutar la serie.

Ya antes de presentarse el último de los episodios de las OVAs, el estudio WIT había anunciado que adaptaría (para alegría de muchos, en los que me incluyo) la serie en una temporada de 24 episodios (2 cour – o dos tramos) para la temporada de otoño. Si bien para los seguidores del manga ya se sabía que esperar a nivel de historia, algunas de las dudas principales sobre esta adaptación giraban en torno al presupuesto que se asignaría para el proyecto, y si a nivel de producción mantendría el nivel de las OVAs, considerando que la duración de 24 episodios implicaría un mayor esfuerzo. El adelante brindado por Crunchyroll (a través de su evento Anime Movie NIght) fue la muestra más clara de que el anime de “La novia del hechicero” iba a cumplir con las expectativas de sus lectores.

Manteniendo el alto nivel de espectacularidad visual, que podrían generar muchas reminiscencias al mundo fantástico del estudio Ghibli, la serie nos presenta el encuentro entre Chise y su nuevo maestro (que podría considerarse dueño en una primera impresión), Elías, llamado el brujo de las espinas, en una casa de subastas. Para Chise, que había olvidado lo que era un hogar o una familia, está nueva estadía representa su último rayo de luz, aún sin saber cuál es la verdadera intención de Elías al hacerla su discípula, o que emociones u historias existen detrás del rostro en apariencia siniestro. Si habría que dar una definición de que esperar de la serie para quienes se animan a descubrir esta historia, sería de un encuentro entre una pareja que recuerda a los personajes de La Bella y la Bestia (claro, hablando de la adaptación de Disney) con el mundo de Mushishi (serie que recomiendo mucho por cierto) pero con una mayor profundidad en los personajes y sus relaciones con el mundo fantástico, que Elías se encargará de mostrar (aunque no siempre de forma correcta para alguien que debería ser un mentor) a Chise.

La historia en sí es bastante pausada, y si bien se nota cierto argumento de transfondo, cabe recalcar que la principal tónica de la serie es la de un slice of life, que es mostrar el crecimiento de los personajes en el día a día (razón por la que la relaciono con Mushishi), lo cual realiza de la mejor manera, y que diría que es capaz de atrapar a cualquiera. Ya conforme avanza la historia, se van apreciando mayores aspectos que el uso de la magia involucra en el mundo, y que incluso a nivel de los magos, hechiceros y demonios, existen diferentes tendencias e ideologías; hecho que se verá mejor representado con la aparición del nuevo personaje del último capítulo, y que en parte cambia la tonalidad de la serie a una más oscura que la inicial.

Finalmente, ya sea por la ambientación que muestra, los elementos mágicos que establece, o la presencia de diferentes personajes, La novia del hechicero es una serie que he disfrutado seguir en estas semanas, y que espero que mantenga el nivel a lo largo de la temporada, considerando que es probable que alcance al manga (que solo tiene 41 capítulos hasta la fecha), y que no habrá más capítulos en anime que seguir hasta nuevo aviso. Si te gustan los slice of life, y las historias con elementos fantásticos, recomiendo bastante darle una oportunidad a la serie.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Yo-kai Watch, de Espíritus a Compañeros

Yo-kai Watch, de Espíritus a Compañeros

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Si bien la franquicia de Yo-kai Watch ha tardado en licenciarse en el extranjero, poco a poco el nombre está empezando a hacerse conocido, buscando repetir a nivel mundial el éxito que ha tenido en Japón. Para los no iniciados, buscar imágenes relacionadas a Yo-kai Watch probablemente lleve a pensar en una exagerada similitud con una de las franquicias más conocidas en el mundo, como es Pokémon, y que darle una oportunidad resulte en presenciar una “copia” más que no aporta nada nuevo a una industria plagada de series de este tipo.

Todo lo contrario, Yo-kai Watch ha ganado fama de forma muy merecida en Japón, con un inicio muy prometedor con el juego para 3DS en el 2013, cuya popularidad lo catapultó a ser adaptado al mundo del manga y anime (en este caso si teniendo un simil a Pokemón).

La vida de Keita Amano, un niño de once años que vive en la ciudad de Sakura New Town, se ve alterada cuando, un día en que se adentra al bosque mientras buscaba insectos, se encuentra con una extraña máquina de cápsulas (conocidas como gachapon en Japón). Al obtener una de las cápsulas, esta libera a un misterioso fantasma llamado Whisper, que se convertirá en su acompañante y guía, brindándole un reloj especial (Yo-kai Watch) que le permitirá ver a los espíritus y criaturas (Yokai) que habitan y causan problemas en su ciudad. Entablar amistades con los Yokai, le permitirá a Keita convocarlos mediante medallas cuando requiera de su ayuda para enfrentar a Yokai malignos o en sus aventuras diarias.

Datos de la serie

  • Título: Yo-kai Watch (妖怪ウォッチ Yōkai Wotchi)
  • Géneros: Infantil, Comedia, Sobrenatural, Slice of Life
  • Categoría: G – Apta para todo el público

Videojuegos

  • Desarrollador: Level 5
  • Publicador: Nintendo
  • Género: Juego de Rol, multijugador

Títulos:

  • Yo-kai Watch(2013)
  • Yo-kai Watch 2(2014)
  • Yo-kai Watch Busters: Red Cat Team & White Dog Squad (2015)
  • Yo-kai Watch Dance: Just Dance Special Version (2015)
  • Yo-kai Watch: Three Kingdoms (2016)
  • Yo-kai Watch 3: Sushi and Tempura (2016)

Manga

  • Año: Enero del 2013 – Presente
  • Autor: Noriyuki Konishi
  • Revista: CoroCoro Comic
  • Género: Shonen
  • Volúmenes: 11

Spin-offs:

  • Yo-kai Watch: Exciting Nyanderful Days
  • 4-Panel Yo-kai Watch: Geragera Manga Theater
  • Yo-kai Watch: 4-Panel Pun-Club
  • Komasan 〜A Time for Fireworks and Miracles〜
  • Yo-kai Watch Busters

Anime

  • Estudio: OLM
  • Año: 8 de Enero del 2014 – Presente
  • Episodios: 193 (+) emitidos

Opinión

Para dejar de lado el tema de las comparaciones, lo primero que opino es que la serie tiene más similitudes con Monster Ranger (posiblemente conocida por quienes pudimos disfrutar de Fox Kids) que con la serie de Pokemon. La serie se centra en un protagonista que vive en un mundo lleno de criaturas (espíritus en este caso), pero lo que diferencia a la serie es la forma en que presenta las historias e interacciones de personajes.

Yo-kai Watch usa un formato de episodios autoconclusivos (aunque de vez en cuando se presentan algunos arcos de corta duración), enfocados en el humor y alusiones a situaciones de la vida cotidiana de un niño, con el objetivo de encontrar al Yo-kai de turno. Si decides ver la serie esperando una serie compleja o hilada, probablemente no te lleves una buena impresión. Y es que la serie no busca definirse por ello.

El punto fuerte de la serie es la forma de presentar a cada espíritu por episodio (generalmente inspirados en leyendas e historias japonesas) y hacer sentir el ambiente de Japón (siempre y cuando no sean las versiones adaptadas a nuestro continente). Además, conforme avanza la serie, la forma en que el protagonista (no necesariamente Keita) utiliza las habilidades especiales de sus compañeros para resolver conflictos ayuda a mantener la novedad de la serie, a pesar de seguir una estructura muy similar por episodio.

Si bien se menciona que la serie apunta a un público más infantil, el humor de la serie es disfrutable por personas de cualquier edad, pasando de situaciones bizarras a algunos comentarios con diferentes interpretaciones, en muchos casos mostrando a los personajes atravesando la cuarta pared. En el caso de Keita, se busca representar de manera más natural a un niño de esa edad, que aprende conforme crece, metiéndose en problemas por tomar malas decisiones, o reconociendo sus errores para buscar hacer lo correcto, lo cual hace más disfrutable la serie desde mi punto de vista, ya que la conclusión del capítulo puede ser diferente a la que uno se imagina.

Puede que por la falta de un argumento de fondo no haya mucho desarrollo de los personajes, pero cada uno tiene una personalidad colorida y única, lo que ayuda a que los episodios no caigan en la monotonía por el formato de presentación.

El estudio es el mismo que anima series como Pokémon (lo que no ayuda a su constante comparación), Berserk (la serie antigua) e Inazuma Eleven, acercándose más al estilo de esta última. Una animación agradable y con una paleta de colores amplia, sin buscar ser realista. Similar a la mayoría de series dirigidas para niños. La OST es bastante regular, pero los Openings y Endings son bastante pegajosos, sobretodo el primer opening (GeraGeraPo).

Conclusión

Yo-kai Watch es una serie ligera, lo que permite disfrutar de cada episodio de forma separada (tal vez se pierdan algunas referencias a personajes pasados) sin muchas dificultades. Si estás interesado en algunas de las leyendas japonesas, y buscas pasar un bueno rato, Yo-kai Watch es una muy buena opción (sobre todo si te gustaban series con un humor como el de la antigua serie Medarot, conocida acá en Latinoamérica como Medabots). De igual forma, es una serie con la que puedes iniciar a los pequeños en el mundo del anime (y la cultura japonesa), así como a la moda de los coleccionables. Si te gustaron los juegos, te gustaran las referencias y representaciones presentadas en la serie. Y si te gusta la serie, te animará saber que el juego cuenta con unas mecánicas muy interesantes (y que la diferencian bastante de Pokémon, sin desmerecer a ninguna).

Eso es todo para esta reseña. Comparte tus opiniones de la serie, comentarios sobre la publicación, o déjanos alguna recomendación para una nueva reseña. El Keijiban Kurabu aprecia tu contribución.

¡Hasta la próxima oportunidad!

 

BONUS:

El Primer opening presentado por King Cream Soda:

私の日本の宝物: Initial D

私の日本の宝物: Initial D

La palabra takaramono (宝物) significa literalmente “objeto que se atesora” o “tesoro”. No obstante, no se refiere solamente a algo caro, sino que también se utiliza para referirse a alguna pertenencia que tiene mucho valor sentimental o simbólico. En otras palabras, un takaramono es un objeto que uno considera un tesoro por lo que significa, más allá de su valor monetario. En esta sección, queremos presentarte los tesoros preciados de Japón de diversas personas: 私の日本の宝物 (Watashi no Nihon no Takaramono) 

  • Takaramono: Carro de Initial D
  • ¿A quién pertenece?: Juan Carlos
  • ¿Qué tipo de objeto es?: Carro de Hot Wheels
  • ¿Cómo lo obtuvo?: Fue una compra por Internet.

Initial D es un manga y posteriormente un anime que narra la historia de Takumi Fujiwara, un joven de 18 años que trabaja en una gasolinera y apoya en la tienda de tofu de su padre, específicamente, en las labores de reparto. Sin saber mucho de autos o carreras, Takumi se verá inmerso, de casualidad, en el mundo del drift o técnica de conducción de derrape.   

 Uno de los aspectos que más destacaron en el anime, más allá de la trama y del aspecto visual, fue el soundtrack. Algunos de los openings y endings que tuvo fueron una colaboración de “m.o.v.e”, grupo japonés que estuvo en actividad hasta el 2013. Motsu, cantante y rapero de “m.o.v.e” estuvo presente en nuestro país en dos oportunidades, en dos ediciones del Natsumatsuri del Keijiban Kurabu. Cabe mencionar que Motsu quedó encantado con Perú.

Fairy Tail, el corazón de los gremios

Fairy Tail, el corazón de los gremios

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Los lazos de sangre no son el único vínculo que determina la existencia de una familia. Una amistad inquebrantable, un sentimiento de unión, la confianza creada en las experiencias vividas, y el deseo de apoyar a las personas cercanas incondicionalmente son una muestra de que las familias son mucho más que relaciones de parentesco. Y no hay mejor muestra de ello en Earth-land, que la existencia de uno de los gremios más poderosos y conocidos, el gremio de Fairy Tail. En un mundo en que la magia es un recurso casi ilimitado, los gremios sirven como organizaciones para mantener cierto orden a nivel del reino y de la ciudad, asi como ayudar a la población en general al ponerse a disposición para cumplir misiones (claro, a cambio de cierta retribución). Pertenecer a un gremio, en ese caso, significa tener un estilo de vida lleno de intensas misiones y constantes aventuras, y nadie resalta más en ese estilo de vida que Natsu Dragneel, un mago de la categoría de Dragon Slayer (un tipo de magia ancestral y especial) que se especializa en fuego, que de la mano de su nueva compañera, Lucy Heartfilia, y su fiel amigo Happy (un gato alado), buscarán llevar a cabo misiones que les permitan ascender dentro de su propio clan, y hacer de Fairy Tail el gremio más reconocido de Magnolia .

Datos de la serie

  • Título: Fairy Tail (フェアリーテイル)
  • Géneros: Acción, Aventura, Comedia, Fantasía, Shonen
  • Categoría: PG – 13

Anime

  • Series: Fairy Tail (175 episodios, Oct. 2009 – Marzo 2013), Fairy Tail 2014 (102 episodios, Abril 2014 – Marzo 2016), Fairy Tail 2018 (proximamente)
  • Ova: Fairy Tail Ova (2016)
  • Películas: Fairy Tail Movie 1: Houou no Miko (2012), Fairy Tail Movie 2: Dragon Cry (2017)
  • Estudios: Estudio Satelight, A-1 Pictures, Bridge

Manga

  • Año: Agosto 2006 – Julio 2017
  • Autor: Hiro Mashima
  • Revista: Weekly Shonen Magazine
  • Género: Shonen
  • Volúmenes: 63

Opinión

Durante sus primeros años, Fairy Tail se mostró como el principal referente de la revista Weekly Shonen Magazine para hacer frente a los otros pesos pesados de la industria del shonen. En una época en la que además de One Piece, existían Naruto y Bleach como principales representantes de la industria del shonen, hacerse reconocido en el mercado del manga era una tarea bastante ardua, aún más si no se pertenecía a la Shonen Jump. Pero para quienes habían seguido la obra previa de Hiro Mashima, Rave Master, esta nueva serie traía bastante expectativa.

Tomando lo mejor del mundo que había creado anteriormente, Fairy Tail empieza siendo una serie que se basa principalmente en la magia, los clanes, las aventuras y las peleas; sin buscar profundizar demasiado en el transfondo de una historia, y centrándose más en relatar el día a día de los integrantes de Fairy Tail, principalmente de Natsu, Happy y Lucy, acompañados ocasionalmente de otros miembros del clan, como Erza Scarlet (maga especializada en el re-equipamiento) y Gray Fullbuster (alquimista de hielo). Su inicio tan directo y práctico de cara al espectador es lo que le permitió a Fairy Tail tener un recibimiento explosivo en popularidad, lo que facilitó el salto de la serie al mundo del anime.

Como indiqué inicialmente, lo más cautivador de Fairy Tail es su aire de aventura, la cual brilla bastante bien en sus primeros arcos. Desde la narración de la historia desde el punto de vista de Lucy, quien representa a la persona nueva que llega a una ciudad bastante volátil, hasta su encuentro y recibimiento en el gremio más excéntrico de Fiore y Magnolia, la introducción de los personajes es bastante rápida y fluida, para ir de lleno a lo particular de la serie, las misiones.

Son las misiones el recurso narrativo escogido por Mashima para mover inicialmente la historia, lo cual funcionó bastante bien en mi opinión. Es durante las misiones que poco a poco vamos conociendo a mayor detalle a los personajes más resaltantes de Fairy Tail (considerando que profundizar en todos no hubiera llevado a ninguna parte por la cantidad de personajes que hay). Sus motivaciones, sus miedos, sus fortalezas, sus particularidades y sus pasados. Todos esos detalles entrelazándose bastante bien con la misión de turno, las cuales resultan inicialmente bastante originales, divertidas y emocionantes desde el punto de vista de un espectador.

Comenzando con la Saga Lullaby (en la que se muestra el primer gremio oscuro) y luego con la saga de la isla Galuna (en la que se conoce a un antiguo compañero de Gray), que podrían considerarse las primeras sagas grandes de la serie, se empieza a apreciar la extensión del mundo que rodea a Magnolia, y del papel fundamental que ha tomado la magia en la vida (tanto para bien como para mal), lo cual hace un más crucial la existencia de los gremios y otras formas de control del uso de la magia.

Si bien considero que la primera adaptación (la cual abarca hasta la mitad del arco de los Grandes Juegos Mágicos) es buena, tiene una paleta de colores y un soundtrack que infantiliza más de lo requerido el tono de por sí bastante amigable de Fairy Tail, lo cual resta en sus momentos de seriedad y epicidad presentes en ciertas sagas. El estilo gráfico tampoco termina de encajar del todo, lo cual puede ser una razón por la que fue cambiado en la segunda adaptación. A pesar de ello, cumple bastante bien en retratar el manga (salvando escenas de censura para algunas situaciones), en partículas las sagas de La Torre del Paraíso, La Batalla del Festival, y la saga de La Isla Tenrou, que en mi opinión vienen a ser las mejores y más variadas partes de la serie.

Entrando casi al final de la primera adaptación, se muestra en la historia lo que serán las principales razones del argumento principal de Fairy Tail, y sobre los que empiezan a girar las demás sagas hasta el final de la serie. En lo particular, creo que al alejarse del estilo aventurero de la historia para acercarse más a un argumento que incluye un villano final a derrotar, la serie empieza a alejarse de su esencia y empieza a perder el rumbo en el manejo de las conclusiones de cada arco. Si bien la adaptación del 2014 mejora en muchos aspectos a nivel de presentación en el anime, desde mejor animación hasta un soundtrack de igual o mejor nivel (aunque el de la primera temporada de por si es muy bueno y variado), con OPs y endings de aún mayor calidad, como NEVER-END TAIL de Tatsuyuki Kobayashi y Konomi Suzuki, Ashita wo Narase de Kavka Shishido, o Never Ever de Tokyo Girls’ Style (que dicho sea de paso, será un grupo invitado para el Natsu Matsuri del 2018), se empieza a sentir una diferencia bastante notable en el ritmo de la serie, repitiendo muchos elementos entre una saga y otra, y exagerando hasta la saciedad alguna de sus cualidades (como el tipo de humor, el fanservice, o el nakama power/poder de la amistad), que terminan por irrumpir el disfrute general de la serie.

Aun considerando ese declive en calidad, la serie ha podido mantener su popularidad hasta el tramo final. Prueba de ello ha sido el éxito que tuvo su última película, Dragon Cry, que no solo fue bien recibida en Japón sino a nivel mundial (y que tuvimos en nuestras salas de cine gracias a Cinépolis). Es tanto el acogimiento del público con la serie, que ya se tiene confirmada la tercera temporada del anime, la cual probablemente vaya a ser la última, al considerar el material que queda por adaptar. Esperemos que la calidad de la adaptación se mantenga, o mejore en la medida de lo posible, lo cual sería un buen regalo de despedida para los fans.

Conclusión

Fairy Tail es una serie bastante fácil de ver y seguir. Si bien, como mencione, no es una serie compleja (y no busca serlo), hay muchos detalles bastante interesantes en lo que respecta al desarrollo de su mundo y de sus personajes (principalmente en la parte inicial). Si lo que más buscas en una serie es la adrenalina de las peleas, los momentos cómicos en la vida diaria de los personajes, y cierto nivel de fanservice, Fairy Tail es una opción a tomar en cuenta, en especial si te han gustado series como Dragon Ball, Naruto o One Piece (series que combinan las peleas y las aventuras). Si te gustaría ver algo más de Hiro Mashima, definitivamente te recomiendo darle una oportunidad al manga de Rave Master (la cual si bien tiene un comienzo bastante lento, a nivel general de serie la considero mucho mejor llevada y desarrollada que Fairy Tail), mientras se mantiene la espera de la nueva temporada en el 2018.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Bonus: Algunas imágenes del twitter de Hiro Mashima

 https://twitter.com/hiro_mashima

 

Recomendaciones: Hunter x Hunter

Recomendaciones: Hunter x Hunter

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Han pasado diecinueve años desde que comenzó a publicarse la serie de cazadores con habilidades especiales, un largo trayecto lleno de aventuras, dificultades y crecimiento de los protagonistas como de los seguidores de las series. Si bien Hunter x Hunter es reconocida por muchos conocedores de animes como uno de los mejores shonens hasta la fecha, siempre se hace mención de uno de los problemas más llamativos que han afectado a la serie; las paralizaciones (más conocidas como hiatus). Y aunque las esperas entre paralizaciones suelen ser bastante largas últimamente (siendo las 2 últimas de cerca de un año cada una), cabe decir que la calidad de la serie se mantiene intacta. Con la vuelta de la publicación de Hunter x Hunter, me di un tiempo de revisionar la última adaptación al anime (2011) para recordar muchos de los detalles que ya no son cercanos, y para recordar lo excelente que ha sido la adaptación realizada por Madhouse.

Datos de la serie

  • Título: Hunter x Hunter (ハンター×ハンター)
  • Géneros: Acción, aventura, superpoderes, shonen.
  • Categoría: PG – 13

Anime

  • Series: Hunter x Hunter 1999 (62 episodios), Hunter x Hunter 2011 (148 episodios)
  • Ova: Hunter x Hunter OVA (30 episodios)
  • Estudios: Nippon Animation, Madhouse

Manga

  • Año: Marzo 1998 – Presente
  • Autor: Yoshihiro Togashi
  • Revista: Weekly Shonen Jump
  • Volúmenes: 34

Opinión

La etapa inicial de Hunter x Hunter no se aleja mucho de las fórmulas comunes de los shonen. La historia nos situa en la Isla Ballena, en donde conocemos a Gon, hijo abandonado por Ging Freecss bajo la tutela de su hermana Mito. Viviendo sin considerar la existencia de sus padres, Gon se encuentra un día con Kite, el aprendiz de su padre, quien le cuenta que su padre no solo aún se encuentra con vida, sino que se ha convertido en uno de los mejores cazadores; individuos de élite y acreditados para el rastreo de tesoros secretos, bestias exóticas e, incluso, otros individuos. Motivado por esta revelación, Gon decide dejar su hogar y presentarse al examen de cazador, una serie de desafíos que buscan probar las habilidades, supervivencia y trabajo en equipo de sus participantes. A partir de esta aventura, Gon conocerá y se amistará con tres prospectos de cazadores: Kurapika, quien desea convertirse en cazador con el fin de vengar a su familia y recuperar los ojos escarlata que fueron robados de sus cuerpos por un grupo de mercenarios conocidos como Gen’ei Ryodan; Leorio, que tan solo quiere ser cazador para poder pagar sus estudios de medicina; y Killua Zoldyck, un joven que abandonó su anterior vida como miembro de la más famosa familia de asesinos.

Lo que parece ser inicialmente una serie de aventuras, sobresale por sobre otros animes por las interaciones entre sus personajes (con una notable relevancia de muchos personajes secundarios), los temas e ideas abarcados, y en especial, la crudeza en las reglas establecidas en el universo de los cazadores; características que evolucionó de manera muy notable de su anterior obra, Yu Yu Hakusho. Como indico, los tres primeros arcos (Examen del cazador, Familia Zoldyck y la Torre del Cielo) sirven para sentar las bases de las reglas que van a regir sobre la serie. Desde la importancia que tiene el obtener una licencia de cazador para poder moverse libremente en el mundo, obtener información y acceso a sitios especiales, entre otras cosas; las razones, metas e ideales de los personajes principales; y las ventajas, los riesgos y el control del nen, que viene a ser una representación del poder “espiritual” de cada persona, que dependiendo del entrenamiento y los compromisos que realice, puede brindar a su dueño de habilidades completamente únicas.

Por los primeros capítulos, uno puede creer que todo el argumento girará en torno a la búsqueda de Gon para encontrarse con su padre, pero la realidad es que cada arco de Hunter x Hunter se compone de diferentes historias, muchas veces con ritmos y duraciones diferentes y con gran variedad entre arco y arco, que ayudan a enriquecer la caracterización del mundo de los cazadores. Abarcando diferentes géneros en cada etapa, entre los que se incluyen la supervivencia, torneos, asesinatos e investigaciones, realidades virtuales, guerras y políticas, entre otros. Aprovechando esta variedad, es muy común ver los saltos en el tono de la serie; pasando de momentos agradables, a situaciones crueles con naturalidad, lo que también facilita que la transición entre los arcos permita sentir con claridad la sensación que busca dar Hunter x Hunter: la de un viaje interminable (claro, sin considerar los parones de la vida real que forman parte de la experiencia). La nueva adaptación de Madhouse aporta mucho en la fluidez de la historia, representando fielmente las escenas del manga, sin incluir relleno a lo largo de los 148 capítulos.

De los aspectos que definen a esta serie por sobre otras es que termina siendo impredecible y poco convencional en la forma de llevar su argumento y a sus personajes. El enfoque está disperso, por lo que los personajes principales pueden llegar a tomar un rol de apoyo o incluso no ser incluidos, debido al alcance de la historia del arco; si bien se suele mejorar con entrenamiento, cada personaje evoluciona a distintos niveles y con diferentes experiencias; el aprendizaje del mundo que los rodea es constante, y no existen bandos definidos entre el bien y el mal (siendo Pariston, Meruem y Hisoka claros ejemplos), si no que las perspectivas de facciones permiten a cada lector o espectador tomar su propia postura.

Parte de la creatividad y complejidad de las series se refleja en las batallas, que no suelen ser un simple enfrentamiento de fuerzas; se ponen en uso la capacidad de cada personaje de explotar sus propias características creadas a través del Nen, asi como su capacidad de conseguir información de forma proactiva de cualquier fuente posible, y la preparación anticipada antes de enfrentarse a un enemigo. Los mejores exponentes en este caso son los arcos de York Shin, Greed Island y las Hormigas Quimera. En el arco de Greed Island se observa la importancia de establecer asociaciones y utilizar con inteligencia los recursos que se obtienen en el mundo de la realidad virtual, mientras que en el arco de las Hormigas Quimera se contempla los rasgos más relevantes en la preparación ante una guerra.
Ya calificando específicamente la adaptación, HxH tiene un apartado técnico excelente. Al principio tal vez demasiado colorido y de aspecto infantil, logra conseguir que apartado artístico se adapte a las partes más oscuras y emotivas de la trama, manteniendo la calidad y la fluidez de la animación en cada capítulo, con picos mucho más notorias en las cortas pero impresionantes batallas. Se cumple un gran papel en transmitir las emociones de los personajes, y en balancear la iluminación, sombreado y texturas acorde al ánimo o tono de los arcos. Todo transmite de forma más lucida la sensación de aventura y la atmosfera entusiasta o perturbadora de la serie, para brindar una atracción o sensación subliminalmente profunda.

El apartado sonoro compuesto por Yoshihisa HIRANO (Death Note, Ouran High School Host Club, Hajime no Ippo), si bien no está al mismo nivel de los demás componentes del anime, cumple bien con su papel de ambientar las aventuras de los cazadores. El cast escogido para representar a Gon, Killua, Leorio y Kurapika, si bien no se asemeja a la adaptación de 1999, encaja perfectamente con los personajes. Finalmente, el OP de la serie y los múltiples endings que tiene representan fielmente cada una de las temporadas. Desde “Just Awake” de Fear, and Loathing in Las Vegas, “HUNTING FOR YOUR DREAM” de Galneryus, “Riot” de Yoshihisa Hirano o “Understanding” de Yoshihisa Hirano, hasta “REASON”, “Nagareboshi Kirari” y “Hyouriittai (表裏一体)” compuestas por Yuzu.

Conclusión

Considero a Hunter x Hunter como una experiencia que ningún seguidor de anime debería perderse. Si bien tiene un inicio que puede considerarse lento y que no se aleja mucho de otras opciones en su mismo género, capítulo por capítulo va construyendo un mundo bastante extenso, interesante y complejo en información; es una escala exponencial que lleva a una sensación y experiencia que pocas veces se consiguen en series de amplia duración. Claro, hay que considerar si el estilo de narración va acorde a los gustos de cada uno; si disfrutas de las series con un enfoque psicológico, de intriga y suspenso, acompañado de batallas tanto tácticas como de fuerza bruta,  entonces estás en buen camino para un viaje genial. Por otra parte, si no eres de quién disfruta la extensión en la información de las reglas de un universo, o la forma en que el narrador participa de la inmersión puede que tengas sentimientos encontrados al seguir la serie. Aún así, pienso que los puntos buenos de HxH pesan por mucho sobre sus contados aspectos negativos, por lo que los anime a que le den una oportunidad a esta ya antigua pero fantástica serie.

¡Bonus!

Compartamos la tristeza de todo seguidor de HxH con un gráfico sobre el tiempo de duración de cada arco desde los inicios de la serie:

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Temporada 2017 – Made in Abyss

Temporada 2017 – Made in Abyss

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Lo desconocido suele ser motivo de miedo y curiosidad. Si el estilo de vida de una sociedad se ve alterada por el descubrimiento de una nueva área de exploración, se presenta tanto la curiosidad por investigar u observar esta existencia antes ignorada, mezclada con el miedo y la inseguridad de saber que peligros o cambios pueden presentarse por esta nueva interacción.

Pero lo desconocido también representa oportunidad; tener la posibilidad de ser asignado a la única área inexplorada del mundo, consistente en un enorme ecosistema de cavernas en un abismo que parece no tener fin, puede significar el descubrimiento de objetos invaluables, y de conocimiento más allá de lo imaginable. En el caso de Rika, lo desconocido es una obsesión. El abismo que solo ha empezado a explorar significa para ella la oportunidad de forjarse un nombre como exploradora, pero sobretodo, poder buscar a su madre. Sin embargo, deberá tener cuidado de no perder de vista muchas cosas importantes por el sueño que tiene, ni dejarse engullir por los misterios y monstruos del abismo.

“Quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, también éste mira dentro de ti”

Para quienes no hayan seguido la historia de Made in Abyss en manga, ver algunos detalles sobre este anime recientemente estrenado probablemente les recuerde a algunos juegos de exploración o les brinde cierta sensación de ver un RPG de mazmorras y calabozos (similares a Wizardry, Etrian Odyssey, Kings Field, o en un caso más alejado, Pokemon Mystery Dungeon). Hasta cierto punto, se puede decir que Made in Abyss bebe mucho de los conceptos de exploración de estos juegos, pero aprovecha lo mejor de ese género y lo combina con un estilo de animación digno de los mejores elementos del estudio Ghibli, una banda sonora immersiva, y una trama adulta que contrasta con su diseño, para dar como resultado lo que puede ser uno de las mejores series de esta temporada.

El primer capítulo nos introduce de lleno en el ambiente de Exploración, con la conversación entre Riko y Nat respecto a la búsqueda de reliquias y el valor que el descubrimiento de estas representa para el grupo del cual forman parte (los silbatos rojos). A primera vista parece una ambientación (hermosamente detallada) de una serie más de fantasía, hasta que, de forma gradual, se puede ver el detalle más relevante de esta serie en su esplendor; el abismo.

Los dos primeros capítulos han servido para brindar algunos detalles de la historia. Características del abismo, detalles de “La ciudad del gran abismo, Orth”, el orfanato, entre otros, siendo el mayor énfasis en las motivaciones de Riko y de Reg (personajes claves para la historia) sobre su interés por explorar el abismo.

Con la explicación brindada en el segundo capítulo sobre que involucra el abismo para la humanidad, las reglas determinadas por la sociedad para su exploración, y el peligro y las consecuencias “naturales” que ocasiona su descenso y, sobretodo, retorno, es cuando realmente se empieza a sentir el entorno intoxicante de exploración y misterio que Made in Abyss pretende ofrecer. Como si fuese una serie creada por Togashi (HunterXHunter, Yu yu Hakusho) y dirigida por Miyazaki, nos interpola las características de inocencia y tranquilidad representado en los personajes, con la crueldad y crudeza representada en las reglas de la naturaleza y de su sociedad; lo cual le da a la serie un atractivo particular, más allá del brillo existente en sus demás componentes.

No solo la premisa es llamativa, sino que el estudio Kinema Citrus ha decidido apostar fuerte por la calidad de esta serie. El staff de Made in Abyss tiene una cantidad importante de pesos pesados en la industria del anime, empezando por el director Kojima Masayuki (quién cuenta con experiencia cinematográfica). Además cuenta con muchos ex-miembros del  antiguo estudio Bones, el director de animación Kise Kazuchika (ex-Gainax) y el director de arte Masuyama Osamu, quién pasó gran parte de su carrera como director de arte para Miyazaki (probable razón de que identifiquemos esa vibra similar a un trabajo de Ghibli en este anime), y el compositor Ingles Kevin Penkin. En pocas palabras, es una serie prometedora con experiencia importante como apoyo, con un nivel de producción impresionantemente elegante, que engrandece uno de los elementos más importantes de la serie, como mencione en el inicio, que es el contraste entre lo visual y el contenido. Eso sí, como lector de manga, dejo como advertencia que este será un viaje oscuro para los espectadores.

Es bastante difícil resumir los conceptos que se tratan a lo largo de la historia actual de la serie, pero evitaré dar spoilers al respecto. Considerando que la temporada contará con un total de 13 capítulos, solo espero que la representación del viaje (o descenso en este caso) mantenga el ritmo y detalle del manga que adapta, ya que considero que parte de lo llamativo de Made in Abyss es la forma de contar y desgranar la historia, sin sobrecargar al lector de información y pero brindándole diversos elementos para distinguir a profundidad las características de los diferentes escenarios de los que está compuesto el abismo, lo cual también permite reconocer el peligro y exigencia que conlleva esta aventura.  Sin duda, Made in Abyss es una serie que dará mucho que hablar esta temporada.

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Mary y la flor de la bruja

Mary y la flor de la bruja

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Si bien Hayao Miyazaki es el nombre más representativo de los estudios Ghibli, no hay que olvidar que Ghibli ha sido hogar y escuela de muchos talentos que buscan alcanzar el nivel y habilidad demostrados por Miyazaki. Mary y la flor de la bruja es la más reciente prueba de ello. La nueva y primera cinta de anime del estudio Ponoc, fundado por Hirosama Yonebayashi (director de la última cinta de Ghibli hasta la fecha, When Marnie was there) y Yoshiaki Nishimura, y en cuyo staff se encuentran muchos antiguos empleados de Ghibli, consiste en la adaptación de novela de  fantasía infantil La pequeña escoba de Mary Stewart, y busca combinar de la mejor manera la escencia y encanto del estilo ya clásico de Ghibli, con nuevas técnicas y propuestas que a la vez le dan a esta película una apariencia actualizada y moderna.

Datos de la película

  •  Título: Mary y la flor de la Bruja (メアリと魔女の花)
  • Géneros: Aventura, Magia, Fantasía
  • Categoría: PG -13
  • Fecha de estreno: 8 de Julio de 2017 (Japón)
  • Estudio: Studio Ponoc
  • Duración: 100 minutos

Opinión

Es bastante difícil ver muchas de las imágenes y adelantos de la película y no pensar inmediatamente que parece una película más del estudio Ghibli. No solo el estilo visual es bastante parecido al de este estudio (en parte gracias al trabajo de animación de antiguos trabajadores de Ghibli que ahora son parte del estudio Ponoc), sino que el aire de fantasía que brinda la película nos hace recordar a muchas de las películas ya catalogadas como clásicas que provinieron de este. La trama nos cuenta la vida de Mary, una niña que se muda recientemente al campo para vivir con su abuela, a quien le termina causando problemas debido al exceso de entusiasmo comunes en niños de su edad. Además de ello, sus esfuerzos se ven opacados por Peter, otro de los pocos niños de la villa, que siempre es reconocido y elogiado por los demás por ser alguien educado y maduro para su edad. Este nuevo estilo de vida hace pensar a Mary que su vida no tendrá nada de especial en el futuro.

Sin embargo, las cosas empiezan a cambiar cuando Mary se encuentra con un gato negro, que la guiará a través del bosque hacia una escoba de apariencia antigua y abandonada y a una misteriosa y brillante flor. Al recogerla, los poderes de la flor son liberados y propulsan de forma repentina la vieja escoba (y a Mary sobre esta) hacia el cielo y en dirección a una escuela de magia dedicada al entrenamiento de hechiceros, ubicada sobre las nubes. Al llegar, Mary se da cuenta de que la flor la ha transformado en una poderosa hechicera (aunque solo temporalmente), lo que llama la atención y la curiosidad de la profesora Mumblechook y el Doctor Dee, miembros de la escuela de hechicería. Sin embargo, no pasará mucho tiempo para que Mary descubra que mucho del entusiasmo e interés de los profesores está dirigido más a la flor mágica que a ella y que existen planes turbios para aprovecharse de su poder.

La película aprovecha muy bien el argumento simple y familiar para sacar a lucir los exponentes más renombrados en trabajos de animación; la calidad, detallo y mimo de la animación tradicional, con una muy buena banda sonora, factores que siempre han estado presentes en películas de la casa de Ghibli y de las cuales el estudio Ponoc se nutre mucho. Sin embargo, si bien la película tiene como uno de sus objetivos el representar los mejores trabajos realizados por el antiguo y reconocido estudio, también demuestra que no es resistente al cambio y que no piensa conformarse en una fórmula que funciona. Prueba de ello es la inclusión en su personal de nombres como Suguru Karube (director de 3D de Re:Zero), quien colaboró en esta película con técnicas de CGI y efectos digitales que se integran de manera muy sutil con el estilo de animación hecho a mano, que ayudaron a brindar una apariencia limpia y fluida a lo largo de cada escena.

Si bien la esta primera propuesta del estudio Ponoc no busca ser una obra atemporal, sí empieza a poner las cartas sobre la mesa, para indicar que es un estudio capaz de mucho más. Mary y la flor de la bruja tal vez tenga como debilidad la falta de extensión en su historia, considerando lo extenso y rico en detalles que puede llegar a ser un mundo de hechicería, pero se apoya bastante en los detalles visuales para hacer sentir al espectador la sensación del mundo de fantasía. Basta con ver los escenarios recreados llenos de vida, que capturan perfectamente la apariencia y sensación desde sitios como las praderas inglesas, hasta la representación del colegio Endor. Tanto ha sido el esfuerzo puesto en la animación, que incluso algunos de los fondos fueron realizados en colaboración con el estudio Pablo, famoso estudio de arte en la industria por sus paisajes pintados a mano de manera meticulosa.

Conclusión

En general, Mary y la flor de la bruja termina siendo un esfuerzo bastante notable de un estudio recientemente formado y un filme de fantasía bastante sólido por cuenta propia. Es cierto que la película busca ser muy fiel al libro (sin tratar de mejorar o profundizar en la historia), pero cuando cada escena está tan cuidadosamente elaborada como en esta película, hace difícil encontrar mucho de que disgustarse. Es de admirar el gran trabajo realizado por Yonebayashi para dirigir y saber capturar la calidad y naturaleza de las obras de fantasía, apoyado por su grupo y los años de experiencia y cariño vividos en el estudio Ghibli, lo cual es para mí razón suficiente de darle una oportunidad a esta película.

Aun así, considero que definitivamente hay mucho potencial en el estudio Ponoc para labrar una imagen más propia y característica, considerando el talento (tanto el ya formado como el nuevo) que ha estado presente en la producción de esta cinta. El grupo liderado por Yonebayashi ya ha demostrado que puede brindar trabajos mucho más innovadores, pero esta ha sido una buena oportunidad para brindar honor a quienes los formaron. Estaremos a la expectativa de lo siguiente que nos brindará el estudio Ponoc; posiblemente un estudio del que oiremos bastante en los siguientes años.

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私の日本の宝物: Kimi no Na wa

私の日本の宝物: Kimi no Na wa

La palabra takaramono (宝物) significa literalmente “objeto que se atesora” o “tesoro”. No obstante, no se refiere solamente a algo caro, sino que también se utiliza para referirse a alguna pertenencia que tiene mucho valor sentimental o simbólico. En otras palabras, un takaramono es un objeto que uno considera un tesoro por lo que significa, más allá de su valor monetario. En esta sección, queremos presentarte los tesoros preciados de Japón de diversas personas: 私の日本の宝物 (Watashi no Nihon no Takaramono) 

  • Takaramono: Postal de Kimi no Na wa
  • ¿A quién pertenece?: Roberto E.
  • ¿Qué tipo de objeto es?: Merchandising de la película.
  • ¿Cómo lo obtuvo?: Me lo regaló una amiga que viajó a Japón. Se adquirían en una máquina y había aproximadamente 10 modelos diferentes de postales.

Kimi no Na wa es una película de animación que se estrenó a mediados del año 2016. Rápidamente, se convirtió en un éxito de taquilla, superando las ganancias obtenidas por El viaje de Chihiro, película de Hayao Mizayaki, de Studio Ghibli. Kimi no Na wa fue escrita y dirigida por Makoto Shinkai, quien ya se perfila como uno de los más aclamados directores de películas de animación japonesas. Diversas cadenas de cine en todo el mundo han adquirido los derechos para proyectar la película y nuestro país no es la excepción. Próximamente se estrenará en los cines de Perú, así que estaremos atentos a cualquier información al respecto.

La historia se centra en la vida de Mitsuha Miyamizu y Taki Tachibana, estudiantes de preparatoria que viven en lugares completamente distintos y tienen un estilo de vida muy diferente. Mitsuha es hija del alcalde de un pequeño pueblo, además, junto con su hermana aprenden de su abuela ciertas costumbres y tradiciones como la técnica del kumihimo (un estilo de trenzado japonés) y la ayudan en el templo, sobre todo con la elaboración del kuchikamizake (una forma de preparar el sake). Por otro lado, Taki es un estudiante que vive en la ciudad de Tokio y que tiene un trabajo a medio tiempo como camarero. Pronto se conocerán de la forma más inimaginable posible: intercambiarán cuerpos en sueños y sin que ellos puedan determinar cuándo ocurrirá. Es así que su vida se entrecruzará y si bien poco a poco se van acostumbrando a tan inusual hecho, pronto descubrirán, sin quererlo, que quizás exista una razón para ello.

 

Puedes leer nuestra reseña sobre Kimi no Na wa en el siguiente link: http://kbkurabu.org/?p=929