Biblioteca Elena Kohatsu: Cuentos de cabecera

Cuentos de cabecera

Datos

  • Título: Cuentos de cabecera
  • Autor: Osamu Dazai
  • Año: 2013
  • Editorial: Satori
  • Género: Narrativa contemporánea
  • Páginas: 205

Sinopsis

Tokio, 1945. Un refugio antiaéreo. Un padre y sus hijos. Así comienza Cuentos de cabecera, una versión cínica y descarada de los cuentos más célebres de Japón en la que Osamu Dazai se ríe de los estereotipos y la tradición. Suenan las sirenas. Las baterías antiaéreas rugen con su estruendo atronador. Los bombarderos B-29 se aproximan a Tokio para soltar su mortífera carga. Pero, en un estrecho refugio casero, un padre con una imaginación muy particular construye un mundo de fantasía con el que entretener a su hija. Mientras lee en voz alta y afectada los cuentos de un libro ilustrado para niños, en su mente van tomando forma otras historias en absoluto infantiles pero siempre divertidas, impredecibles y mordaces. «La historia de Urashima», «La montaña Kachi-kachi», «El gorrión de la lengua cortada» y «El lobanillo desaparecido» son cuatro de los cuentos más célebres de Japón, que en esta inusual versión de Osamu Dazai se transforman en una sátira provocadora e hilarante de la eterna guerra de sexos. En esta edición se ha incluido también la versión original de los cuentos.

Puedes encontrar este y otros títulos interesantes en la Biblioteca Elena Kohatsu, ubicada en el piso 8° del Centro Cultural Peruano Japonés. El horario de atención es de lunes a viernes de 8:00 am a 8:00 pm (refrigerio de 1 a 2:00 pm) y sábados de 10:00 am a 1:00 pm. 

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私の日本の宝物: My Melody

私の日本の宝物: My Melody

La palabra takaramono (宝物) significa literalmente “objeto que se atesora” o “tesoro”. No obstante, no se refiere solamente a algo caro, sino que también se utiliza para referirse a alguna pertenencia que tiene mucho valor sentimental o simbólico. En otras palabras, un takaramono es un objeto que uno considera un tesoro por lo que significa, más allá de su valor monetario. En esta sección, queremos presentarte los tesoros preciados de Japón de diversas personas: 私の日本の宝物 (Watashi no Nihon no Takaramono) 

  • Takaramono: My Melody マイメロディ
  • ¿A quién pertenece?: Sandra C.
  • ¿Qué tipo de objeto es?: Protector de celular
  • ¿Cómo lo obtuvo?: Compra por Internet

Sanrio es una compañía japonesa fundada en los años ’60 y conocida en todo el mundo por ser la empresa creadora de Hello Kitty, un personaje de gatita que se ha popularizado en todo el mundo, a través de útiles de escritorio, accesorios, ropa, gadgets digitales, entre muchos otros artículos, incluso de lujo. Sin embargo, Hello Kitty no es solo el único personaje de esta famosa compañía.

My Melody fue creada en 1976, apelando originalmente a un público más infantil; sin embargo, rápidamente su fama se extendió a un público femenino de todas las edades. My Melody tiene la apariencia de una coneja y utiliza una capucha rosada o roja, donde luce ocasionalmente una flor blanca o algún listón. Su cumpleaños es el 18 de enero y tiene un alter-ego llamado Kuromi.

Esta pequeña conejita también tiene su propia serie de televisión, un anime llamado Onegai My Melody (おねがいマイメロディ), del cual ha derivado, a su vez, un juego de DS con el mismo nombre.

Así como Hello Kitty, y en general los personajes de Sanrio, a My Melody se la puede encontrar en una diversas de artículos: cartucheras, útiles, accesorios, moda, y un gran etcétera.

VR Zone Shinjuku – De los arcades a la realidad virtual

VR Zone Shinjuku – De los arcades a la realidad virtual

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Probablemente sean pocos los que recuerden la época de los arcades. Tiempos en los que uno podía ir a ciertos centros comerciales en los que existía una zona de máquinas de videojuegos, en los que con un puñado de monedas se podía tener horas de diversión.

Si bien en el resto del mundo, los arcades consistieron en una moda que ha ido en declive con el tiempo (sobre todo por la masificación de las consolas de videojuegos y las limitadas opciones de estas áreas para el público exterior), en Japón los arcades se mantienen en constante renovación y con una vigencia más que importante; se podría decir que los arcades son parte de la cultura urbana de japon. Son parte del escenario de las ciudades, se actualizan con las modas y novedades, están gestionados por los propios dueños de los juegos y, principalmente, buscan ofrecer una experiencia única a sus visitantes.

Y como parte de esa constante capacidad de innovación para mantener la trascendencia del arcade, hace poco la empresa Bandai Namco ha incorporado e inaugurado una nueva sección: la Zona VR en Shinjuku, resultado del “experimento” con el nombre de Project i Can (que se empezó a probar a mediados del año pasado).

Si bien la realidad virtual ha sido el sueño o ideal de muchos jugadores de videojuegos, ha tenido un camino largo para llegar a un desarrollo aceptable por el público en general. Desde los primeros intentos realizados con el ya extinto Virtual Boy de Nintendo, hasta el producto actual del Oculus Rift que poco a poco va teniendo más opciones de juegos en el mercado. La realidad virtual no es aún un producto establecido en el mercado, pero la apertura de esta nueva área de arcade, si bien es un proyecto con cierto riesgo, se muestra como una de las mejores formas de extender la aceptación de la realidad virtual a todo el mundo. En comparación con la fase beta realizada el año pasado en Tokyo, esta vez la zona VR de Shinjuku es el establecimiento de arcade VR más grande del mundo (aunque no es mucha la competencia), está en una ubicación mucho más accesible para el ciudadano japonés, tendrá una duración de 2 años, y algunos de los juegos más interesantes para los fans de los videojuegos y de los animes, como son  Mario Kart Arcade GP VR, Dragon Ball VR: Master the Kamehameha, Evangelion VR: The Soul Seat y Gundam VR.

Vale decir que el local utilizado para albergar esta nueva experiencia es considerablemente grande (un área total de 3500 metros cuadrados), con áreas específicas para cada juego, y con un espacio adicional de descanso, alimentación y recreación para los más pequeños.

Debido a la novedad de un arcade dedicado a la realidad virtual y a su enfoque en el multijugador para atraer a jugadores y expectadores, Bandai Namco busca incentivar a la mayor cantidad de personas a aventurarse por la experiencia VR, ya que un aumento en su popularidad significaría una mayor facilidad de abrir más locales a lo largo de Japón, y posiblemente alrededor del mundo.

Pero pasemos a lo importante, ¿cuáles son las opiniones sobre esta nueva experiencia ofrecida por Bandai Namco? Contrario al establecimiento de Odaiba, que solo ofrecía acceso con reservación, la zona VR en Shinjuku permite comprar tickets en la misma entrada del establecimiento; claro, aun se permiten reservaciones, y más bien, si la cantidad de atención por día se llena se termina la venta de entradas.

La opción más demandada es el combo de “1 día/4 ticket”, que tiene un costo aproximado de 40 dólares, y te brinda acceso a 4 juegos del repertorio del local, pero solo un juego por cada tipo de ticket (vienen en colores). La opción más accesible es el ticket para un solo juego VR por el costo de 11 dólares. Eso sin considerar el costo de ingreso, que es de aproximadamente 7 dólares por joven/adulto y 4.4 por niños entre 6 y 12 años; sin embargo, la estadía en el local es por tiempo indefinido. El local cuenta con un total de 12 juegos, y adicionalmente tiene 3 juegos físicos en la zona de descanso mencionada anteriormente (cerca al restaurante) para quienes quieran tomar un intermedio de su experiencia VR.

Es el turno de los juegos. En el local, estas son las características de algunos de los juegos más populares:

Mario Kart Arcade GP VR

Se utiliza una especie de cabina de manejo adaptada a la realidad virtual; consta del asiento, el timón y los pedales comunes a los juegos arcades de carreras, pero además utiliza el cabezal con gafas de VR, y un par de guantes Vive Tracker que reconocen los movimientos en el juego (y se utilizan para interactuar con los objetos). La cabina está en una plataforma hidráulica para brindar la sensación de cada movimiento realizado en el juego, y existen ventiladores que imitan el viento en el rostro. La recreación de la pista ayuda también en la inmersión del juego y la imitación de los movimientos del “auto” al recibir los impactos de otros autos u objetos o el cambio de sensación al planear por el aire hacen que sea una experiencia completamente fantástica para cualquier aficionado de Mario Kart. Lo único malo es que por ahora el juego cuenta con solo una pista, pero el multijugador soporta hasta 4 competidores reales más las CPUs.

Dragon Ball VR: Master the Kamehameha

Este juego de Dragon Ball requiere de dos jugadores, y utiliza de 5 rastreadores Vive Trackers por persona (uno por cada pie y mano, y uno en la espalda, casi a la altura de la cintura) y de los guantes que ya se vieron en el juego de Mario Kart. A ambos se les enseña como recrear el Kamehameha en las cinemáticas del juego como parte final, pero en un inicio (siendo Goku o Vegeta nuestro mentor), se explicara las posturas correctas para poder lanzar diferentes disparos de Ki (con los guantes vibrando acorde en fuerza de la energía utilizada). Después de unos intentos iniciales en los que Gokú definirá si estamos o no preparados, seremos teletransportados a un nuevo escenario en el que pondremos a prueba lo aprendido para realizar el Kamehameha. Mientras más energía juntemos, se sentirá vibrar el escenario y nuestras manos, así como la fuerza del viento en respuesta a la acumulación. Finalmente, cuando demostremos a nuestro mentor que estamos listos, seremos teletransportados a un escenario de batalla, en el que enfrentaremos al segundo jugador para determinar quién en el maestro del Kamehameha.

Evangelion VR: The Soul Seat

Y como otro exponente de los juegos basados en serie de anime, tenemos un juego de Evangelion, en el cual tendremos que pilotear uno de los icónicos mecha: Unit-00, Unit-01 o Unit-02. En esta oportunidad, nos encontramos con que la ciudad de Tokyo-3 está bajo el ataque del décimo ángel, Zeruel, por lo que la única oportunidad de defenderse es con el liderazgo de NERV y el despliegue de los Evas. De igual forma que en el juego de Mario Kart, el juego de Evangelion imita los movimientos a través de la cabina de manejo, con la diferencia que en esta no se utilizan pedales, sino unos soportes de piernas para imitar la representación de la cabina de un Eva. En lugar de los rastreadores Tracker Vibe, en el juego se utilizan de Joysticks para controlar los movimientos y el uso y cambio de las armas. Al inicio del juego, experimentaremos la forma de realizar el enlace neural entre el piloto y el Eva, y luego subiremos a la plataforma de lanzamiento para aparecer en la superficie de la ciudad. A partir de ahí, el juego consiste en una batalla sin descanso contra el ángel, en el que deberemos esquivar sus constantes ataques, buscar su punto débil y cambiar de armas de ser necesario. Lo mejor (o peor de la experiencia) es en el caso que seamos derrotados, podremos ver directamente como el ángel hunde lentamente sus mandíbulas en nuestra unidad.

Para mayor detalle de todo lo que ofrece esta nueva experiencia (fotos, videos, etc.) ofrecida por la compañía Bandai Namco, pueden ingresar a la página oficial de la zona de realidad virtual (VR Zone) desde el siguiente enlace: https://vrzone-pic.com/

Como bonus de este artículo, dos videos que resumen un poco lo que es la VR Zone:

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Biblioteca Elena Kohatsu: La tumba de las luciérnagas. Las algas americanas

La tumba de las luciérnagas. Las algas americanas

Datos

  • Título: La tumba de las luciérnagas. Las algas americanas. (Dos novelas breves)
  • Autor: Akiyuki Nosaka
  • Año: 1999
  • Editorial: El Acantilado
  • Género: Narrativa contemporánea
  • Páginas: 144

Sinopsis

Estas dos novelas, “La tumba de las luciérnagas” (octubre de 1967) y “Las algas americanas” (septiembre de 1967), levantaron gran expectación al publicarse, y en 1968 ambas ganaron el premio Naoki. Con un talento fuera de lo común, complejo y desasosegado, Nosaka esconde en su estilo una mirada que no rehúye los aspectos más sórdidos y crudos de la existencia. “La tumba de las luciérnagas” es la historia de la muerte por inanición de Seita, un niño, en 1945. Seita ha visto morir de hambre a su hermana menor, a la que cuidaba tras la muerte de su madre en un bombardeo. En “Las algas americanas”, Nosaka describe con sentido del humor el desconcierto de los que vieron transfigurarse su mundo con la llegada de la «Democracia» o la «Constitución». Con la visita de un matrimonio de pensionistas de Estados Unidos al Japón durante el período de «reeducación», nos muestra que en la conciencia de los vencidos subyace una sumisión de profundos significados. Durísimo, despiadado, Nosaka nos deja la huella de la fibra auténtica y sin concesiones.

Puedes encontrar este y otros títulos interesantes en la Biblioteca Elena Kohatsu, ubicada en el piso 8° del Centro Cultural Peruano Japonés. El horario de atención es de lunes a viernes de 8:00 am a 8:00 pm (refrigerio de 1 a 2:00 pm) y sábados de 10:00 am a 1:00 pm. 

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Sobre el autor

Akiyuki Nosaka es un escritor amargo. Japonés nacido en 1930, hijo adoptivo de una familia de la ciudad de Kobe, pasó su infancia bajo los bombardeos, que en 1945 mataron a su padre adoptivo. Sus hermanas murieron, una enferma y otra de malnutrición. Ingresó en un orfanato. Vio hundirse un imperio. La experiencia de la guerra, la miseria de la posguerra, y la desorientación de la sociedad japonesa ante los cambios sufridos a continuación marcan toda su obra, que suele contener elementos autobiográficos. Sus novelas suelen contener historias de niños que viven en guerra.

20° Aniversario de KinKi Kids

20° Aniversario de KinKi Kids

Por: Erika Kohatsu (Keijiban Kurabu Staff)

Este 21 de julio se cumplen 20 años del debut de KinKi Kids. Como celebración me gustaría contarles un poco sobre ellos, mis artistas japoneses favoritos.

KinKi Kids es un grupo pionero. Fue el primer dúo de Johnny’s Entertainment y es el primer grupo conformado por integrantes provenientes de la región de Kansai. Fueron el primer grupo de Johnny’s en debutar con más de un millón de discos vendidos (el primer solista fue Kondo Masahiko, “Matchy”) y el primero en lograr más de un millón de ventas de su álbum debut. Ellos sostienen actualmente el record Guinness de la mayor cantidad de singles número uno consecutivos desde su debut en el ranking japonés de música.

Para saber cómo llegaron a ser lo que son, basta con revisar un poco de su historia.

Johnny Kitagawa, presidente de la Johnny’s Jimusho, decidió un buen día, el 5 de mayo de 1991, juntar a Koichi, la estrella en su equipo de béisbol escolar en Hyogo, y Tsuyoshi, un niño actor prodigio en su Nara natal, de 12 años de edad, nuevos juniors de la compañía, para aparecer juntos en un concierto de la legendaria agrupación Hikaru Genji en Yokohama Arena, sólo por el hecho de que compartían el mismo apellido (pero sin parentesco), Domoto. Es así como inician juntos su carrera en el mundo del espectáculo.

Desde entonces siempre los juntaron para sesiones de fotos en revistas, presentaciones y programas de TV. Eventualmente, bautizados con el nombre de KinKi Kids por Nakai Masahiro, fueron los principales bailarines de apoyo del entonces sexteto SMAP, por lo que se ganaron al público con su carisma y talento. En 1994 ambos protagonizaron el dorama Ningen Shikkaku ~ Tatoeba Boku ga Shindara, recomendadísimo éxito de audiencia por su retrato del controversial tema del bullying escolar que logró 28.9 puntos de rating en su último episodio.

Antes de debutar, KinKi Kids probó su talento conduciendo programas de TV, cantando, actuando e incluso llenando el famoso Budokan para su concierto en 1995. El público estaba fascinado por el tierno Koichi y el gracioso Tsuyoshi.

El 21 de julio de 1997, se lanzan simultáneamente el single Garasu no Shounen y el álbum A, marcando el debut discográfico de KinKi Kids. El single fue compuesto por Yamashita Tatsuro (música) y Matsumoto Takashi (letra), y marca el inicio de una larga lista de renombrados músicos que han compuesto para y colaborado con KinKi Kids a lo largo de los años, entre los cuales destacan Yoshida Takuro, Tsutsumi Kyohei, Oda Tetsuro, Takamizawa Toshihiko (The ALFEE), Sakamoto Ryuichi, Tokunaga Hideaki, Tamaki Koji y Yoshii Kazuya de la recientemente reactivada The Yellow Monkey.

La música de KinKi Kids se merece un post aparte por la versatilidad de estilos y enorme selección de éxitos que tienen a su nombre. Tienen hasta la fecha 38 singles y 20 álbumes (incluyendo discos recopilatorios). Además de intérpretes, ambos miembros también son destacados músicos, compositores y letristas. Un detalle curioso es que las fans que los siguen desde el inicio pudieron ver sus pininos en 1996, desde que iniciaron sus clases de guitarra en un segmento semanal de su programa Love Love Aishiteru, recibiendo lecciones de Yoshida Takuro y otros consagrados guitarristas. Muchas de las canciones favoritas de los fans, son las que han sido compuestas por ellos. Entre ellas la icónica Ai no Katamari, cuya música compuso Koichi y la letra fue escrita por Tsuyoshi. Las cualidades vocales de ambos, siempre tienen un tono melancólico, por lo cual sus baladas son especialmente populares. Ellos mismos afirman que hasta sus canciones alegres suenan algo tristes.

A lo largo de los años, el dúo ha sobresalido tanto en el ámbito de la música como en la actuación, Tsuyoshi destacando como actor en doramas y películas, en papeles tanto románticos como cómicos; y Koichi sobre el escenario.

El carisma de ambos también se puede apreciar en los programas de televisión que han conducido desde antes de su debut, destacando Shin Domoto Kyoudai, programa de variedad musical que a lo largo de 18 años (con varios cambios de formato) nos permitió disfrutar de su sentido del humor y talento musical, en innumerables colaboraciones musicales con sus populares invitados. Actualmente los podemos ver los domingos en el programa KinKi Kids no Bun Bu Bun, un programa de agenda relajada en el que llevan a sus invitados a hacer lo que se les antoje.

Algo interesante de este grupo es su innegable química. Con personalidades tan dispares como las de Tsuyoshi y Koichi, ellos han declarado siempre que no son mejores amigos pero son más que eso, algo más parecido a un matrimonio. Koichi es el eterno príncipe DoS, al que sólo le interesan la fórmula uno, la física espacial, los videojuegos y su perrita Pan. Tsuyoshi es el sensible boke, con miles de hobbies, viviendo entre sus peces exóticos, ilustraciones, cristales y discos de funk y es poseedor de un original sentido de la moda. Aun así, son un match perfecto, con un ritmo cómico insuperable que hace interminables los larguísimos MC de sus conciertos, para deleite de sus fans.

En la actualidad están considerados tanto como agrupación como por su carrera como solistas entre los mejores y más queridos de Japón. Adicionalmente a sus actividades como KinKi Kids, Tsuyoshi es el segundo artista masculino en tener 5 singles número uno consecutivos en Japón (el primero fue Matchy) y es embajador especial de turismo de su amada Nara; y el espectáculo musical – teatral Endless SHOCK, con más de 1500 presentaciones a la fecha,  protagonizado por Koichi tiene el ticket más codiciado en todo Japón.

Este mes celebran a lo grande los 20 años con presentaciones especiales en programas musicales (incluyendo un MTV Unplugged), una fiesta de agradecimiento a sus fans (sólo para 30,000 afortunados), un episodio especial del dorama Bokura no Yuuki: Miman City, 20 años después del original, un episodio especial del programa musical y de variedad LOVE LOVE Aishiteru después de 16 años, la actuación especial de Tsuyoshi en el live action de Gintama en el rol del “final boss” Takasugi Shinsuke, presentaciones adicionales de Endless SHOCK por parte de Koichi, sendas apariciones en programas de televisión y radio, y artículos conmemorativos en todas las revistas de entretenimiento. Lamentablemente, hace unas semanas Tsuyoshi fue diagnosticado con una pérdida parcial temporal de la audición por lo cual no ha podido asistir a varias presentaciones, pero se espera su pronta recuperación.

Feliz aniversario KinKi Kids, y que sean muchos más.

 

Nota de la autora:

Si les interesa conocer más de la música de KinKi Kids les dejo una lista de canciones recomendadas:

  • Garasu no Shounen (硝子の少年)
  • Aisareru yori Aishitai (愛されるより愛したい)
  • Zenbu dakishimete (全部だきしめて)
  • Boku no Senaka ni wa Hane ga Aru (ボクの背中には羽根がある)
  • Ame no Melody (雨のMelody)
  • Kanashimi Blue
  • Ai no Katamari (愛のかたまり)
  • Swan Song (スワンソング)
  • Bonnie Butterfly
  • 99% Liberty
  • Secret Code
  • Anniversary
  • Koi wa nio e to chirinuru wo (恋は匂へと散りぬるを)
  • Bara to Taiyou (薔薇と太陽)
  • The Red Light

Temporada 2017 – Made in Abyss

Temporada 2017 – Made in Abyss

Por: Roberto Espinoza (Keijiban Kurabu Staff)

Lo desconocido suele ser motivo de miedo y curiosidad. Si el estilo de vida de una sociedad se ve alterada por el descubrimiento de una nueva área de exploración, se presenta tanto la curiosidad por investigar u observar esta existencia antes ignorada, mezclada con el miedo y la inseguridad de saber que peligros o cambios pueden presentarse por esta nueva interacción.

Pero lo desconocido también representa oportunidad; tener la posibilidad de ser asignado a la única área inexplorada del mundo, consistente en un enorme ecosistema de cavernas en un abismo que parece no tener fin, puede significar el descubrimiento de objetos invaluables, y de conocimiento más allá de lo imaginable. En el caso de Rika, lo desconocido es una obsesión. El abismo que solo ha empezado a explorar significa para ella la oportunidad de forjarse un nombre como exploradora, pero sobretodo, poder buscar a su madre. Sin embargo, deberá tener cuidado de no perder de vista muchas cosas importantes por el sueño que tiene, ni dejarse engullir por los misterios y monstruos del abismo.

“Quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, también éste mira dentro de ti”

Para quienes no hayan seguido la historia de Made in Abyss en manga, ver algunos detalles sobre este anime recientemente estrenado probablemente les recuerde a algunos juegos de exploración o les brinde cierta sensación de ver un RPG de mazmorras y calabozos (similares a Wizardry, Etrian Odyssey, Kings Field, o en un caso más alejado, Pokemon Mystery Dungeon). Hasta cierto punto, se puede decir que Made in Abyss bebe mucho de los conceptos de exploración de estos juegos, pero aprovecha lo mejor de ese género y lo combina con un estilo de animación digno de los mejores elementos del estudio Ghibli, una banda sonora immersiva, y una trama adulta que contrasta con su diseño, para dar como resultado lo que puede ser uno de las mejores series de esta temporada.

El primer capítulo nos introduce de lleno en el ambiente de Exploración, con la conversación entre Riko y Nat respecto a la búsqueda de reliquias y el valor que el descubrimiento de estas representa para el grupo del cual forman parte (los silbatos rojos). A primera vista parece una ambientación (hermosamente detallada) de una serie más de fantasía, hasta que, de forma gradual, se puede ver el detalle más relevante de esta serie en su esplendor; el abismo.

Los dos primeros capítulos han servido para brindar algunos detalles de la historia. Características del abismo, detalles de “La ciudad del gran abismo, Orth”, el orfanato, entre otros, siendo el mayor énfasis en las motivaciones de Riko y de Reg (personajes claves para la historia) sobre su interés por explorar el abismo.

Con la explicación brindada en el segundo capítulo sobre que involucra el abismo para la humanidad, las reglas determinadas por la sociedad para su exploración, y el peligro y las consecuencias “naturales” que ocasiona su descenso y, sobretodo, retorno, es cuando realmente se empieza a sentir el entorno intoxicante de exploración y misterio que Made in Abyss pretende ofrecer. Como si fuese una serie creada por Togashi (HunterXHunter, Yu yu Hakusho) y dirigida por Miyazaki, nos interpola las características de inocencia y tranquilidad representado en los personajes, con la crueldad y crudeza representada en las reglas de la naturaleza y de su sociedad; lo cual le da a la serie un atractivo particular, más allá del brillo existente en sus demás componentes.

No solo la premisa es llamativa, sino que el estudio Kinema Citrus ha decidido apostar fuerte por la calidad de esta serie. El staff de Made in Abyss tiene una cantidad importante de pesos pesados en la industria del anime, empezando por el director Kojima Masayuki (quién cuenta con experiencia cinematográfica). Además cuenta con muchos ex-miembros del  antiguo estudio Bones, el director de animación Kise Kazuchika (ex-Gainax) y el director de arte Masuyama Osamu, quién pasó gran parte de su carrera como director de arte para Miyazaki (probable razón de que identifiquemos esa vibra similar a un trabajo de Ghibli en este anime), y el compositor Ingles Kevin Penkin. En pocas palabras, es una serie prometedora con experiencia importante como apoyo, con un nivel de producción impresionantemente elegante, que engrandece uno de los elementos más importantes de la serie, como mencione en el inicio, que es el contraste entre lo visual y el contenido. Eso sí, como lector de manga, dejo como advertencia que este será un viaje oscuro para los espectadores.

Es bastante difícil resumir los conceptos que se tratan a lo largo de la historia actual de la serie, pero evitaré dar spoilers al respecto. Considerando que la temporada contará con un total de 13 capítulos, solo espero que la representación del viaje (o descenso en este caso) mantenga el ritmo y detalle del manga que adapta, ya que considero que parte de lo llamativo de Made in Abyss es la forma de contar y desgranar la historia, sin sobrecargar al lector de información y pero brindándole diversos elementos para distinguir a profundidad las características de los diferentes escenarios de los que está compuesto el abismo, lo cual también permite reconocer el peligro y exigencia que conlleva esta aventura.  Sin duda, Made in Abyss es una serie que dará mucho que hablar esta temporada.

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¡Hasta la próxima oportunidad!

Biblioteca Elena Kohatsu: Buda en el ático

Buda en el ático

Datos

  • Título: Buda en el ático
  • Autor: Julie Otsuka
  • Año: 2012
  • Editorial: Duomo
  • Género: Narrativa
  • Páginas: 160

Sinopsis

«Algunas éramos de Kioto. Algunas éramos de Nara. Algunas éramos de una pequeña aldea montañosa. Algunas éramos de Tokio. Algunas éramos de Hiroshima. La más joven de nosotras tenía doce años. La mayor tenía treinta y siete, era de Niigata. Algunas éramos de Kumamoto, donde no había hombres casaderos. Eché un vistazo a la foto y le dije a la casamentera: “Éste me vale.”» Con una prosa precisa y evocadora, Julie Otsuka pone voz a las mujeres que, procedentes de Japón, llegaron a San Francisco hace casi un siglo en busca de una vida mejor. Viajaron para encontrarse con sus esposos, a los que no conocían pero a quienes imaginaban tal y como ellos se habían descrito a sí mismos en sus cartas. Muchas eran casi niñas, llenas de dudas y miedos, ilusionadas, con sus kimonos blancos guardados en sus ajuares. Pero ni sus maridos eran lo que prometían ser ni su vida allí iba a ser fácil.

Puedes encontrar este y otros títulos interesantes en la Biblioteca Elena Kohatsu, ubicada en el piso 8° del Centro Cultural Peruano Japonés. El horario de atención es de lunes a viernes de 8:00 am a 8:00 pm (refrigerio de 1 a 2:00 pm) y sábados de 10:00 am a 1:00 pm. 

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Sobre la autora

Escritora americana de origen japonés, Julie Otsuka es conocida principalmente por las novelas en las que ha tratado el pasado de los inmigrantes japoneses en Estados Unidos, con especial atención al periodo de la II Guerra Mundial. A lo largo de su carera ha recibido premios como el PEN o el Femina y ha sido finalista del National Book Award.

Umi no Hi (海の日) Día del Mar

Umi no Hi (海の日) Día del Mar 

Traducción libre: Keijiban Kurabu Staff

海の日(うみのひ)は、日本の国民の祝日の一つ。日付は7月の第3月曜日。

El Umi no Hi (Día del Mar) es uno de los días festivos nacionales de Japón. Se celebra el tercer lunes de julio.

国民の祝日に関する法律(祝日法、昭和23年7月20日法律第178号)第2条では、「海の恩恵に感謝するとともに、海洋国日本の繁栄を願う」ことを趣旨としている。

Según el Artículo N° de la legislación sobre los feriados nacionales, el propósito del Umi no Hi es agradecer los beneficios y la bondad del mar, al mismo tiempo que se desea por la prosperidad de Japón, una nación marítima.

En este día se agradece al mar, no solo por los recursos que le brinda a Japón y sus habitantes, que han ayudado al desarrollo económico de la nación, sino también para conmemorar la importancia que ha jugado este en la historia y cultura del país.

Como coincide con la época de verano de Japón, es usual que las personas aprovechen para viajar y disfrutar de la playa.

Fuente:
https://goo.gl/SZZiFb

私の日本の宝物: Kokeshi

私の日本の宝物: Kokeshi

La palabra takaramono (宝物) significa literalmente “objeto que se atesora” o “tesoro”. No obstante, no se refiere solamente a algo caro, sino que también se utiliza para referirse a alguna pertenencia que tiene mucho valor sentimental o simbólico. En otras palabras, un takaramono es un objeto que uno considera un tesoro por lo que significa, más allá de su valor monetario. En esta sección, queremos presentarte los tesoros preciados de Japón de diversas personas: 私の日本の宝物 (Watashi no Nihon no Takaramono) 

  • Takaramono: Kokeshi こけし
  • ¿A quién pertenece?: Airi
  • ¿Qué tipo de objeto es?: Muñecas
  • ¿Cómo lo obtuvo?: Fueron un obsequio

Las kokeshi son muñecas tradicionales de Japón. Se dice que estas muñecas son originarias de Tohoku, donde eran talladas en madera y vendidas a los turistas que visitaban los onsen (baños terminales) de esta región. De esa manera, se habría dinamizado la economía en dicho lugar.

Las kokeshi tradicionales tienen una forma específica, donde la cabeza es más grande que el cuerpo y este, a su vez, tiene la forma de un tubo largo. Sin embargo, con el paso de los años y con su expansión a diversos países, se han ido desarrollando kokeshi más modernas, de colores y estilos variados y muy creativos.

En la actualidad, las kokeshi no solo adornan hogares o tiendas, sino que también es posible verlas en strap para celulares o llaveros, así como estampadas en polos o adornando cartucheras y otros objetos cotidianos.

Seigaiha (青海波): Las olas del mar azul

Seigaiha (青海波): Las olas del mar azul

Es el diseño compuesto por semicírculos concéntricos alineados en forma escalonada, simbolizando olas. El nombre del diseño proviene de una antigua pieza musical ceremonial de la Corte Imperial Japonesa. En las actuaciones que llevan esta música de fondo, los danzantes llevan vestidos decorados con este motivo. Las suaves ondas se extienden sin fin en todas direcciones, creando una sensación de felicidad y buena suerte que se espera dure para siempre.

Es un diseño muy especial, puesto que Japón es un país insular rodeado por el mar. Se puede apreciar no solo en trajes tradicionales como el kimono o yukata sino también en artículos de uso cotidiano.

Video de la música que da origen al nombre

Fuente: https://blog.designcrowd.com
Niponica: Descubriendo Japón 2015 No. 15